da Massimo Giuseppe Bianchi | 24/Nov/2016 | Classica, Primo piano
“Classica” o “concertistica” sarebbe la musica intesa come Pensiero, cristallizzato in quel sudario che prende il nome di Spartito, il quale rimane lettera morta finché un esecutore non decida di infondergli nuova vita. Il ‘nomos’ scritto viene abitualmente considerato superiore per via di un pregiudizio contratto nella notte dei tempi, sul quale non ci dilungheremo. Ma la stessa musica concertistica, nella propria storia, ha notoriamente e non di rado annesso a sé anche l’elemento improvvisativo, la creazione estemporanea, affidandola agli esecutori in una sorta di corpo mistico.
Questa coesistenza di forme alternative del racconto musicale fa tornare alla mente certe luminose parole di Italo Calvino a proposito dell’unione amorosa di Lettore e Lettrice uniti nello stesso letto : ”…reduci da universi separati, vi ritroverete fugacemente nel buio dove tutte le lontananze si cancellano, prima che sogni divergenti vi trascinino ancora tu da una parte e tu dall’altra…”
Il disco che propongo al vostro ascolto (ricordo che questa non è rubrica di recensioni, non sono critico musicale, ma di semplici consigli discografici), “Luys y Luso” ( significa “luce dalla luce”) di Tigran Hamasyan è un’esplorazione della musica sacra armena. Patrimonio di straordinaria bellezza qui riproposto per coro e pianoforte. Diverse orbite s’intersecano: il canto popolare, la scrittura, l’improvvisazione… Diremmo anche: la preghiera. (altro…)
da Massimo Giuseppe Bianchi | 30/Giu/2016 | Classica, Primo piano
Se si dovesse evocare, per il ventesimo Secolo, un nome soltanto a testimonio di quella succursale della modernità che prende il nome di avanguardia, nessuno penserebbe a Richard Strauss.
Forse erroneamente.
Nato nel 1864 e scomparso nel 1949, è il più importante e noto compositore del periodo cosiddetto tardoromantico. Che significa? In parole (troppo) semplici, che egli continuò ad adottare il sistema tonale anche dopo la rivoluzione di Schönberg, la dodecafonia, approntata quando era molto giovane e che mai lo interessò se non marginalmente per soluzioni particolari (penso ad alcuni luoghi del melodramma “Elektra”).
Se però, come dicevamo, il sistema accordale è, di principio, quello tradizionale inaugurato dal Rameau, per nulla tradizionale – per contro – è in Strauss la maniera di declinare questo linguaggio: l’imprevedibilità delle concatenazioni tonali, la gravida ricchezza delle melodie, spesso soggette a complicate permutazioni, il caleidoscopio strumentale e soprattutto la stratificazione dell’armonia fanno del suo stile un modello di eleganza.
Molto condivisibile appare la tesi di Quirino Principe che, nel suo bel saggio-biografia sul compositore monacense, tende a collocarlo nel novero di chi guarda al futuro, pur restando ancorato a un passato vagheggiato come irraggiungibile.
Benché Strauss risentisse di indubbie influenze wagneriane, il poema sinfonico “Till Eulenspiegels lustige Streiche” op.28, composto tra il 1894 e il 1895, non è opera d’epigono.
Vuol raccontare gli scherzi e le avventure di quel personaggio di fantasia molto popolare in Germania. I due temi che rappresentano Till sono presentati, rispettivamente, dal corno e dal clarinetto: il tema del corno descrive l’esteriorità del carattere, lo spirito giocoso; quello affidato al clarinetto è più elaborato, quasi a simboleggiarne l’ingegnosità. Il discorso è ricco di sorprese, pur tuttavia molto saldo nelle sue parti costituenti. Lunghe inquadrature di suggestivi paesaggi, confessioni intime, sorprese: tutto si tiene in un memorabile capolavoro che ha anche la caratteristica di spingere taluni strumenti (come ad esempio il succitato corno) a virtuosità inaudite nell’ambito della scrittura orchestrale. (altro…)
da Massimo Giuseppe Bianchi | 09/Giu/2016 | Classica, Primo piano, Rubriche
Questo stupendo disco pubblicato da Hyperion rappresenta per me e mi auguro sarà lo stesso per voi, una vera scoperta.
Del “Madrigale”, forma fissa di andamento strofico che ha origine in Italia nel XIV secolo (ne accenna già Dante nel Purgatorio, canto secondo, nell’incontro con il musico Casella) si parla a proposito dell’ “Ars Nova Musicæ” e naturalmente nel secondo ‘500; di questo periodo dorato della storia della Musica, tale genere costituisce la base.
Claudio Monteverdi, Luca Marenzio, Carlo Gesualdo da Venosa sono soltanto alcuni dei nomi che portarono all’eccellenza questa pratica, e con essa la Musica stessa.
L’arte del “madrigalismo” che, terra terra, consiste nell’applicare musica a un testo, si stemperò via via in altri generi, in particolare nel teatro musicale e in quello stile borghese e domestico che è il “Lied”. In epoca classica, punte o pochissime sono le testimonianze e il genere sembrava dato per estinto. In effetti, parlando di Madrigale, si evoca sempre il passato, un passato dotto e patrizio nel quale musica, poesia, matematica parlano un linguaggio simile. Ci sovviene invece – grazie a questa incisione – che in terra d’Albione, dove il tempo sembra essersi fermato, attraverso molti canti secolari scritti come complemento al madrigale elisabettiano diversi compositori eccellenti proseguirono una tradizione remota.
Vi dice nulla, ad esempio, il nome del compositore Robert Lucas Pearsall (1795-1896)?
Forse no. Ebbene, i cinque suoi madrigali che aprono il CD sono un’autentica delizia: di forma, di pensiero, di canto sottile. Un giuoco che non si può accerchiare in una sola descrizione, ma di certo espresso mirabilmente da ciascuno di questi lavori. Bene si percepisce come questo compositore cercasse di coniugare fra loro, in un compromesso, gli incanti armonici di Purcell con le sofisticazioni che, nell’epoca sua, giungevano dal continente: tentativo, come sempre, mediato da quella irriducibile prospettiva isolana secondo la quale – lo si dice con il massimo rispetto – fuori dall’Inghilterra nulla avviene di rilevante. Ma tant’è.
Ancora più spiccato, nel secondo compositore qui presentato, Henry David Leslie (1822-1896), sembra il rapporto con la tradizione della musica popolare autoctona, il “gymel” in particolare. Le sue canzoni d’amore sembrano collocate al di là del tempo ed esprimono un candore noviziale, diremmo parrocchiale, che certo non ne sminuisce il fascino. (altro…)
da Massimo Giuseppe Bianchi | 26/Mag/2016 | Classica, Primo piano
Il grande direttore magiaro Ferenc Fricsay (1914-1963) divenne famoso, oltreché per le equilibratissime interpretazioni di un vasto repertorio, anche per aver costituito un’orchestra, la RIAS (Radio nel Settore Americano) destinata a divenire sotto la sua guida un organismo ammiratissimo in tutto il mondo. «Per un interprete è doveroso suonare tutto. Non si deve mai insistere su un compositore in particolare». Così ammoniva, e fu coerente. Allievo dei grandi musicisti-docenti dell’Accademia Liszt di Budapest (Bartók, Kodály, Weiner ) Fricsay era un polistrumentista, caso raro già fra quanti la musica la suonano, figuriamoci tra i direttori. Altra qualità fu la grande apertura culturale, che lo avvicina forse solo a Mitropolous. Non a caso l’incarico berlinese gli venne affidato con due opere nuove: “Dantons Tod” di Gottfried von Einem e “Le vin herbé” del compositore svizzero Frank Martin, autori che non erano certo delle ‘pop star’. La morte prematura a 59 anni, nel 1963, consegnò quindi agli archivi del mito un nuovo nome intramontabile. Karajan, dopo la morte di Furtwängler, prese il timone della Filarmonica di Berlino e la trasformò, come noto, nella migliore orchestra del mondo, ma l’eccellenza raggiunta dalla RIAS di Fricsay non fu inferiore. Anzi: se è vero che il gregge vincolò il nomade Karajan a seguirlo, le scelte direttoriali di Fricsay e della sua orchestra, meno vincolati allo star-system, furono in certo qual modo più libere. Particolarmente feconda poi fu la naturale collaborazione con alcuni compatrioti come i pianisti Géza Anda, Andor Foldes e Louis Kentner e il grande violinista Tibor Varga. (altro…)
da Massimo Giuseppe Bianchi | 05/Mag/2016 | Classica, Primo piano
C’è una componente immateriale, sospesa nella musica di Angelo Gilardino, classe 1941, un colore indecifrabile che attrae insieme con la musica stessa, una luce nascosta nella luce.
Di che cosa si tratta, esattamente? Forse il segreto ce lo spiega il compositore stesso, parlando apparentemente d’altro. “ E’ l’orchestrazione che stabilisce il destino dello strumento solista”, egli afferma.
A proposito di concerti solistici, non è raro trovarsi di fronte ad opere antagonistiche, situate sul terreno di un conflitto, quello tra il solista e l’orchestra, che può anche divenire aspro. Gli esempi potrebbero essere molti.
Sarebbe tuttavia difficile percorrere una strada simile con la chitarra, strumento intimo, solare ed ermetico insieme, dotato di sonorità limitata. Angelo Gilardino ricava dalla propria immaginazione un materiale sonoro di raffinata lega in cui, grazie all’alternanza di zone lucide ed opache, di contrasti di luce ed ombra, vengono delineati e composti i frammenti di un tessuto pregiato. I suoi lavori per chitarra e orchestra rappresentano dunque, di per sé, una soluzione nuova al problema dell’integrazione di questo strumento con ampie masse strumentali: già non è poco. (altro…)
da Massimo Giuseppe Bianchi | 28/Apr/2016 | Classica, Primo piano, Rubriche
Dobbiamo ripeterci. Il perché la musica italiana risulti estromessa dal repertorio corrente rimane un mistero, partiture alla mano, non spiegabile.
Non mi riferisco qui tanto al concerto di Castelnuovo- Tedesco il quale, se pure certo non sfiancato da troppe esecuzioni, si conosce tuttavia almeno per via dell’ enorme fama del dedicatario, Jascha Heifetz, che consegnò al disco la sua interpretazione (oggi pubblicata da Naxos). L’oblio che circonda il bellissimo Concerto di Alfredo Casella non è motivato da circostanze di ordine musicale: poiché qui regna l’invenzione più fervida, e la più riuscita resa strumentale.
Scritto nel 1928, dopo che il compositore aveva contratto per sua stessa ironica ammissione “il morbo atonale”, è un’opera fiammeggiante che descrive un mondo in perenne moto. Il compositore sa sognare e concepire la musica secondo un concetto di puro timbro, nel quale i gruppi strumentali contrapposti al solista fungono da riflettori, quasi oggetti metallici posti sul limitare di una superficie assolata. In questo senso, e in questo soltanto, il lavoro è paragonabile ad analoghe esperienze dodecafoniche con le loro “melodie di timbri”. Ovviamente il linguaggio adottato qui è più stratificato. L’armonia in particolare ha un suo gradiente, e colori primari vividissimi.
Per il melodizzare, si potrebbero in questo Concerto spendere i nomi di Bartòk e di altri modernisti numi tutelari, alle cui ragguardevoli personalità manca forse, rispetto al Casella, quel geniaccio melodico tipicamente italiano che, con buona pace di chi snobba la nostra musica, ci fa sorpassare non pochi altri genii. L’autore qui sa anche come sviarsi, di quando in quando, dal complesso castello da lui stesso edificato, per rifugiarsi nel canto e nella contemplazione estatica.
Se il Concerto caselliano è, per la libertà innovativa, opera essenzialmente poetica dove regnano le leggi delle più pure associazioni e i voli pindarici, ecco che con Castelnuovo si squadernano nobilissime pagine di prosa. (altro…)
