Nicola Mingo: un artista che non tradisce

“Mingo si è oramai caratterizzato, nel variegato panorama jazzistico europeo, come uno dei migliori chitarristi bebop oggi in attività, con un’intensa ed ampia produzione discografica (7 CD a suo nome) ed una rilevante presenza nell’ambito di Festival jazz e rassegne nei migliori jazz club d’Italia. “Il suo fraseggio, a note staccate, risulta sempre quanto mai fluido e originale, memore dell’insegnamento dei grandi del jazz e quindi in grado di coinvolgere l’ascoltatore in un viaggio nel tempo di straordinario fascino”: così mi esprimevo il 3 dicembre del 2017 presentando il concerto di Nicola Mingo all’Auditorium Parco della Musica di Roma.

Mingo ha avuto la gentilezza di riprodurre questo pensiero nel booklet che  accompagna il suo ultimo album “Blues Travel” che sarà presentato ufficialmente il 18 prossimo all’Alexanderplatz di Roma. E mi fa piacere confermare quanto scrivevo più di un anno fa. In effetti Mingo rappresenta una solida realtà del panorama jazzistico non solo italiano: a testimoniarlo i suoi 8 album, gli indiscussi apprezzamenti di critica e pubblico… e forse ancor di più la stima da parte dei suoi colleghi musicisti.

Per questa ultima fatica discografica – che lo ha visto transitare dalla Universal alla più attiva Alfa Music – Mingo si presenta in quartetto con Giorgio Rosciglione al contrabbasso, Gegè Munari alla batteria e Andrea Rea al pianoforte, quindi due fidi compagni di viaggio cui si aggiunge il bravo Rea, già vincitore, nel 2007, del Prestigioso premio internazionale “Massimo Urbani”, che ha dimostrato di saper ottimamente interagire con la chitarra del leader.

In programma tredici brani, di cui ben sette scritti dallo stesso Mingo che conferma così le sue doti compositive (particolarmente suggestivo “To Pinot” sentito omaggio alla concezione melodica del blues di Pino Daniele) e sei dovuti alla penna di grandi della musica quali, in ordine di esecuzione sul CD, Harold Mabern, Kurt Weill, George Benson, Isham Jones, Wes Montgomery, Kenny Dorham.

Da questa elencazione si potrebbe dedurre l’impressione di una certa disomogeneità: nulla di più sbagliato ché l’album mantiene una sua intrinseca coerenza da ricercare nello stesso titolo “Blues Travel”. Come spiega lo stesso Mingo, “Blues Travel” è un viaggio musicale nel Blue Note, sound tipico del jazz anni Sessanta, di cui si vuol riprodurre l’atmosfera. Le tappe del viaggio hanno, quindi, come denominatore comune il Blues non inteso in senso comune, ma nel suo significato strutturale; ogni brano, infatti, rappresenta un modo particolare di intendere il blues e le blue notes. In buona sostanza Mingo rimane fedele a quel clima espressivo che ha caratterizzato oramai da anni il suo linguaggio, un clima espressivo che si richiama esplicitamente al bebop e al successivo hard-bop.

Ecco quindi le riproposizioni dei maestri cui sopra si faceva riferimento. Ecco quindi “Wes Blues” una composizione di Mingo dedicata al grande Wes Montgomery, sua principale fonte di ispirazione, costruita con frasi ad ottave ripetute così come amava fare il grande chitarrista di Indianapolis; ecco il sempre splendido “Speak Lowe” , di Kurt Weill,  vero e proprio cavallo di battaglia per molti jazzisti, riproposto da Mingo in maniera originale e convincente… e via di questo passo attraverso una galleria di trascinanti esecuzioni sino al brano finale, “Double Strings Blues”, di Mingo, eseguito in duo da chitarra e contrabbasso, un vero esercizio di bravura per ambedue i musicisti  a sottolineare un’intesa solidificatasi nel corso degli anni.

Durante il concerto all’Alexanderplatz di cui in apertura, si potrà ascoltare l’esecuzione integrale di tutto il nuovo lavoro discografico di Mingo.

Gerlando Gatto

James Senese Napoli Centrale: un artista sempre attuale – Il concerto l’11 maggio all’Auditorium Parco della Musica di Roma

Una vagonata di ‘neapoletan-funky’ scaraventata su un pubblico entusiasta e appassionato: potrebbe essere questo, in estrema sintesi, il racconto del concerto tenuto da James Senese Napoli Centrale all’Auditorium Parco della Musica di Roma l’11 maggio scorso. Concerto che si inserisce nell’ambito del tour che l’artista ha iniziato lo scorso anno per festeggiare sia i 50 anni di carriera sia l’uscita del suo primo live, il doppio cd antologico “Aspettanno ‘O Tiempo”. L’album, registrato durante il tour invernale 2017, contiene tutti i suoi grandi successi oltre due inediti – lo strumentale “Route 66” e “‘Ll’ America”, quest’ultimo scritto da Edoardo Bennato per James, e una rilettura di “Manha de Carnaval” di Astrud Gilberto e Herb Otha, qui intitolata “Dint’ ‘o core”.

Per questa nuova impresa il sassofonista e vocalist napoletano ha fatto ancora una volta ricorso alla sua rodatissima band, con Ernesto Vitolo alle tastiere, Gigi De Rienzo al basso e Agostino Marangolo alla batteria. Per quei quattro o cinque che non lo conoscessero, basti aggiungere che James Senese è stato uno dei protagonisti assoluti di quello straordinario movimento che negli anni ’70 interessò la città partenopea, tanto da essere ricordato come “neapolitan power”. Senese collaborò a lungo con Pino Daniele, tanto che la band presentata a Roma è la stessa che compare, come gruppo base, nello storico album dello stesso Daniele “Nero a metà” pubblicato nel 1980.

Nel concerto romano, Senese, ad onta dei suoi 73 anni compiuti, non si è certo risparmiato… anche se il tempo qualche traccia l’ha lasciata. Così la sua voce, specie sulle tonalità più basse, non è quella di un tempo e al riguardo non l’ha certo agevolato una presa di suono molto vicina al rock: con la batteria iperamplificata e in genere un volume di suono, per il sottoscritto, un po’ troppo elevato, la voce di Senese si percepiva male e in alcuni tratti quasi per nulla. Viceversa quando imbracciava i sassofoni (tenore e soprano) abbiamo ritrovato il Senese di sempre, con un sound forte, preciso, spesso ruvido, caratterizzato da un leggero vibrato e con un sound che alle volte richiamava quello di Gato Barbieri.

E così di brano in brano il concerto si è sviluppato lungo direttrici ben precise, con Senese assoluto padrone della scena, in grado di far valere tutto il suo carisma e di trasmettere emozioni ad un pubblico che l’ha seguito con grande partecipazione. Un momento di sincera commozione ha pervaso l’intera platea quando Senese, ricordando il grande amico scomparso, Pino Daniele, gli ha dedicato la struggente “Chi tene ‘o mare” forse uno dei pezzi più significativi scritti da Pino Daniele in cui “chi tene ‘o mare/’o sape ca è fesso e cuntento/chi tene ‘o mare ‘o ssaje/nun tene niente…” a significare che la popolazioni del Sud del mondo, cui appartiene la sua Napoli, mai potranno essere private dell’unica ricchezza che posseggono: il mare. E questa sorta di denuncia contro le ingiustizie, le diseguaglianze l’emarginazione degli outsider, che hanno da sempre fatto parte integrante della sua poetica, le abbiamo ritrovate nel concerto romano anche se espresse– se ci consentite il termine – con più dolcezza, come se i 50 anni di carriera ne avessero in qualche modo ammorbidito alcune rigidità espressive. D’altro canto chi meglio di lui, figlio di un soldato statunitense di colore, di una giovane napoletana e della guerra, può raccontare la tristezza di chi soffre?

Alla fine pubblico entusiasta e Senese a concedere due applauditi bis.

Gerlando Gatto

“Avec le temps”: un disco e un concerto di Giovanni Guidi all’insegna della buona musica

La grandezza di un leader si misura anche dalla compagnia che si sceglie. Ebbene, anche sotto questo aspetto, il pianista Giovanni Guidi si dimostra assolutamente all’altezza della stima che lo circonda. Così, quando nel novembre del 2017 è entrato negli studi di registrazione de “La Buissonne”, a Pernes-les-Fontaines, per registrare un nuovo album per la ECM, ha portato con sé quattro jazzisti di assoluto livello internazionale: Francesco Bearzatti al sax tenore, Roberto Cecchetto alla chitarra elettrica, Thomas Morgan al contrabbasso e João Lobo alla batteria.

Ed è questo stesso gruppo che abbiamo ascoltato il 4 maggio scorso presso l’Auditorium Parco della Musica di Roma. In programma la presentazione del su citato album, “Avec le temps”, dedicato esplicitamente a Leo Ferré che nel 1969 scrisse questa magnifica canzone, una delle più toccanti in assoluto del panorama musicale di tutti i tempi.

Il disco è ottimo e altrettanto lo è stato il concerto anche se con differenze soprattutto di forma: così, ad esempio, l’album si apre con il brano di Ferré che durante il concerto è stato offerto come gradito bis, e l’esecuzione live di alcuni brani non presenti nell’album come “Te lo leggo negli occhi” portato al successo da Franco Battiato e “Morti di Reggio Emilia”.

Comunque, sia che i brani eseguiti fossero tratti dall’album o meno, la sostanza della musica non cambiava di una virgola.

Da un punto di vista stilistico, il quintetto, se da un canto sembrava porre in evidenza il lato melodico e lirico della sua musica, dall’altro non disdegnava escursioni su terreni altri, vicini ad esempio al free, con la front-line nella sua interezza sempre in primo piano. Il gruppo procedeva spedito, cementato da una perfetta intesa, con ognuno dei cinque che ricopriva un ruolo ben preciso. Così se Guidi si riservava il non facile compito di introdurre i brani e di ripercorrere in un secondo tempo la linea melodica, tessendo una tela armonica, spesso modale, Francesco Bearzatti faceva cantare il suo sax disegnando volute perfette con un sound sempre riconoscibile che richiamava comunque grandi del sax tenore con Albert Ayler tra tutti; quando la trama passava nelle mani di Cecchetto era come se la musica acquistasse all’improvviso nuovo spazio, se superasse i ristretti limiti di un teatro per immergersi in una globalità senza spazio e senza tempo, restando così sospesa, difficile da afferrare. Dal canto suo la sezione ritmica si muoveva con estrema pertinenza, contribuendo in maniera determinante a disegnare l’architettura dei brani: davvero impressionante il lavoro di Thomas Morgan, che con la sua cavata possente e un fraseggio essenziale, riusciva con pochissime note a dare corpo e consistenza a tutta la musica del gruppo (per non parlare delle stupefacenti sortite solistiche) mentre il portoghese João Lobo alla batteria, con un drumming non proprio in coerenza con il tempo base,  evidenziava quell’intesa che oramai da molto tempo lo porta a suonare con Guidi.

Interessanti tutti i brani con una menzione particolare, forse, per il significativo e trascinante “You Ain’t Gonna Know Me ‘Cos You Think You Know Me”, una sorta di inno, assai caro a Guidi, sempre suonato nei suoi concerti, dedicato alla fratellanza e all’eguaglianza, scritto dal trombettista Mongezi Feza, straordinario musicista sudafricano espatriato in Inghilterra per le note vicende del suo Paese e scomparso prematuramente a soli 30 anni.

Gerlando Gatto

 

PEREZ, PATITUCCI, CARRINGTON all’ Auditorium Parco della Musica

Tutte le foto sono di Adriano Bellucci

Roma, 18 marzo 2019

Auditorium Parco della Musica, sala Petrassi

Children of the light

Danilo Perez, piano
John Patitucci, contrabbasso
Terry Line Carrington, batteria

Children of the light nasce come omaggio a Wayne Shorter, musicista del quale Patitucci e Perez sono la meravigliosa sezione ritmica: è corretto però parlare di ispirazione, più che di omaggio o tributo. Non siamo davanti, infatti, ad una riproposizione esatta della sua opera, ma piuttosto assistiamo ad una nuova composizione talvolta fiabesca, talvolta ironica, talvolta onirica (che di ironica forse non a caso, è l’anagramma). Sonorità dunque non scontate in un trio che ha mostrato sul palco una coesione notevolissima.

Il concerto lo apre Patitucci con una intro di contrabbasso, pianissimo: solo in un secondo momento il pianoforte di Perez comincia a dialogare con quelle note sussurrate, componendo frasi spezzate, che entrano in scena ma subito si ritraggono. Il contrabbasso accarezza un veloce e leggerissimo ostinato. La batteria della Carrington si aggiunge delicatamente, e i piatti sfiorati dai mallets producono suoni morbidi, tondi, affascinanti.
Tutto è sospeso, accennato. Il pianoforte azzarda qualche accordo, ci sono echi pentatonici: Patitucci passa all’arco. Contrabbasso e pianoforte si cercano in un gioco di domande e risposte, c’è un intensificarsi del suono, che poi di nuovo subisce una rarefazione, fatta di echi reciproci, di spunti che circolano da uno strumento all’altro.
Il tutto è uno straniante, raffinato, diventa un mescolamento di musica scritta fin nei minimi particolari ma anche di subitanee digressioni libere. L’ambito armonico è complesso e indefinito, chi guida il gioco sembra essere Perez, che in alcuni momenti fluidifica le note in altri le comprime. Le dinamiche sono curate ed efficaci, espressive, e talvolta sorprendenti.

Appare una progressione di accordi ascendenti per quarte, sulla quale Danilo Perez improvvisa: si va avanti così per molto, anche quando lo spessore sonoro si assottiglia, il tempo da 4/4 si tramuta in 3/4, fino al tornare all’arco sul contrabbasso e ai mallets sui piatti.

L’atmosfera cambia e diventa giocosa con Sunburn and Mosquito: in una piccola, divertita boutade Patitucci simula il ronzio di un insetto. Appena il suono cambia, Perez risponde con il suo pianoforte. Improvvisamente i volumi crescono, gli strumenti dialogano tra loro come fossero personaggi di una storia, ognuno con una sua caratteristica. Il pianoforte propone, il contrabbasso risponde, la batteria crea il groove giusto: a volte si atterra in episodi omoritmici, poi si ritorna al rimpallo di frasi, poi a stop improvvisi, poi si ricomincia, in un gioco continuo intenso ma divertente. Il pianoforte conduce sempre di più il gioco, propone temi, andamenti, dinamiche.
Quando i tre procedono insieme, moltissime sono le note, e i battiti, ma il volume è sottile: un flusso costante, veloce e leggero in cui si improvvisa contemporaneamente per creare un unico suono composto da tre strumenti. La ricerca timbrica è continua, anche da parte della batteria.
Sia nelle parti scritte che nell’improvvisazione c’è una grande cura dei particolari, e il concerto è un continuo susseguirsi di suggestioni sempre diverse. Dalla rarefazione più eterea alla densità armonica più vischiosa, dagli ostinati di contrabbasso più martellanti alle mutazioni quasi melodiche della batteria, dai temi melodici più dolci agli accordi gravi e martellanti del pianoforte, dai cromatismi all’andamento diatonico agli stop improvvisi, la musica è costruita (ma anche improvvisata) in modo da essere quasi sempre evocativa e suggestiva. Spesso gli accordi al primo impatto sembrano essere quelli che il tuo orecchio si aspetta, ma dopo pochi secondi emerge un sottofondo armonico che a ben ascoltare non era quello che ti sembrava all’inizio: è un rebus cui ancora adesso sto cercando di dare una soluzione. E ancora, melodie presentate e subito trasposte o presentate e subito nascoste dentro accordi possenti, talvolta andamento dei brani circolari altre volte invece il trio procede in avanti senza guardarsi indietro.

L’IMPATTO SU CHI VI SCRIVE

Ho assistito a un concerto divertente, intenso, a tratti stralunato, concepito ed eseguito da grandi musicisti in vena di giocare, raccontare, stupire e dialogare tra loro. Un sapiente equilibrio tra rigore e audacia, tra partiture scritte nei minimi particolari e improvvisazione libera.
Danilo Perez, John Patitucci e Terry Lyne Carrington hanno saputo creare una musica deliziosamente immateriale usando sia la fantasia che tutto il loro prezioso pregresso di grandi musicisti: mattoncini di mille forme e colori assemblati in modo inusuale per una costruzione di suoni davvero fascinosa, ironica la cui cifra, in tutta l’ora e più di spettacolo, è stata la naturalezza che può esistere solo tra artisti legati da anni di amicizia, di esperienza e di musica suonata, come Perez e Patitucci, con il prezioso contributo creativo di una batterista pazzesca.



Il carisma e la generosità di Alan Stivell

Nella storia della musica ci sono artisti che ne entrano a far parte anche se sono ancora in piena attività: tra questi c’è Alan Stivell, compositore, cantante, flautista e arpista, ambasciatore nel mondo della musica bretone e di ciò che la stessa rappresenta.

Alan Stivell, nome d’arte in bretone di Alain Cochevelou (Riom, 6 gennaio 1944), è quel che si dice un vero e proprio animale da palcoscenico. Fisico asciutto, assoluta padronanza della scena, è in grado ancora oggi di entusiasmare il pubblico nonostante la voce non sia più quella di un tempo, denotando qualche incertezza, qualche calo d’intonazione. Viceversa il fraseggio sull’arpa celtica è sempre il solito, preciso, distinto, scevro da ogni pretesa di funambolismo, tutto teso, viceversa, a sottolineare il peso dei testi, l’importanza della parole.

Stivell ha un particolare rapporto con il nostro Paese dal momento che, come lui stesso ama ricordare, l’Italia è l’unico paese in cui ha potuto fare un giro di stadi e luoghi all’aperto per migliaia di persone all’inizio degli anni ’80, senza considerare che a Portofino ha tenuto il primo concerto oltre i confini francesi, nel lontano 1966.  Di qui la gioia con cui Stivell ritorna in Italia, gioia del tutto ricambiata dal pubblico che ogni volta gli tributa un vero e proprio trionfo. E la stessa cosa è accaduta la sera del 21 marzo, all’Auditorium Parco della Musica di Roma, prima tappa di un mini tour di tre concerti (Mestre 22 marzo, Teatro Corso, Venezia e Morbegno 23 marzo, Auditorium Sant’Antonio, Sondrio).

Al concerto di Roma c’era anche il vostro cronista e devo dire che per me è stata una serata davvero emozionante, sia perché ho ritrovato un artista che non sentivo live da un sacco di tempo, sia perché accanto a me c’era mio figlio Beniamino quindicenne che conosce Stivell assai meglio di me; infatti, nonostante la giovane età è già da qualche anno che segue con attenzione questo artista tanto da conoscerne a menadito tutti i dischi e così è stato un piacere sentirlo pronunciare il titolo di ogni singolo pezzo dopo aver ascoltato solo poche note intonate dai musicisti. E’ quindi grazie a lui che sono in grado di indicarvi tutti i brani che Stivell ha eseguito in oltre un’ora e mezzo di concerto, dedicato in massima parte ai pezzi che l’hanno reso celebre in tutto il mondo.

In coerenza con la strada scelta negli ultimi tempi, Stivell si è presentato in trio con Robert Le Gall, chitarra e Marc Hazon (al secolo Marc De Poncallec) drums machines,

un organico quindi estremamente ridotto ma che, grazie anche alle precedenti esperienze nella musica bretone,  gli consente di ottenere quelle sonorità tra il moderno e il tradizionale che in questo momento costituiscono la sua cifra stilistica. Il tutto impreziosito da input derivanti dalle musiche tradizionali di universi “altri”, come quelli indiani e africani.

L’apertura è affidata a “Reflets” tratto dall’omonimo primo album di Alan Stivell, pubblicato dalla Fontana Records nel 1970. E già da questa prima esecuzione si ha un quadro chiaro di ciò che ascolteremo: riproposizione in chiave moderna di classici del repertorio “stivelliano”. E altrettanto immediatamente si avverte come l’intesa fra i tre sia assoluta, perfetta, con i suoni elettronici che si inseriscono compiutamente nel clima disegnato dal leader.

A seguire “Cease Fire” da “Brian Boru” del 1995. Si tratta di una delle canzoni più significative di Stivell: malgrado il titolo sia in inglese, il testo è in gaelico. E il titolo, “Cessate il fuoco!”, è un chiaro invito a cessare il fuoco in Irlanda del Nord, specialmente dopo il sanguinoso 1994. In questo caso l’esecuzione è forte, decisa, abbastanza simile all’originale con Stivell che suona uno dei suoi piccoli flauti.

Brian Boru” è il terzo brano; Stivell lo inizia dal ritornello con sound africaneggianti e lo conclude con un solo di arpa. Il fatto che l’artista non segua il classico schema strofa-ritornello non stupisce dato che proprio questa prassi costituisce un’altra delle sue note caratterizzanti.

Rilassante come la primavera cui è dedicato “NEw’ AMzer (Spring)” tratto da “AMzer: Seasons” del 2015) mentre con “Ys” facciamo un salto all’indietro di qualche decennio dal momento che il pezzo è tratto da “Renaissance Of the Celtic Harp” del 1972; anche in questo caso il percussionista si pone in particolare evidenza per la capacità di introdurre nel discorso sonorità piuttosto orientaleggianti. Dallo stesso album del ’72 è tratto “Airde Cuan”.

E torniamo all’album d’esordio con la «Suite Irlandaise» che combina la melodia di “Caitlin Triall” et la jig “Porth Mhuirgheasa” (aria danzante meglio conosciuta come “Morrison’s Jig”). Stivell la interpreta alla grande sciorinando uno scat da far invidia ai migliori jazzisti.

The Foggy Dew” e “An Alarc’h” sono tratti dall’album registrato dal vivo all’Olympia di Parigi nel 1971. Il primo brano si riferisce ancora una volta alle violenze nell’Irlanda e Stivell la interpreta, all’inizio, a cappella inserendo solo in un secondo tempo l’accompagnamento strumentale per altro piuttosto sostenuto. “An Alarc’h” viene impreziosito da due centrati assolo, il primo di Robert Le Gall alla chitarra e in chiusura di Stivell alla bombarda.

Su ritmi sostenuti e coinvolgenti “La hargne au cœur – Liberté Armorique” dall’album “Breizh Eo Ma Bro,” del 2017.

Brezhoneg’ Raok ‘ da «Chemins De Terre» 1973 è un vero e proprio inno alla lingua bretone senza di cui non c’è Bretagna, canta Stivell con la solita forza, supportato da un arrangiamento scarno ma efficace.

Son Ar Chistr”, “La canzone del cedro”, tratta anch’essa da “Reflets” ha una storia particolare: contrariamente a quanto si crede, non si tratta di un’antica aria bretone ma di una composizione popolare di Jean-Bernard e Jean-Marie Prima, due giovanissimi agricoltori di Guiscriff (Morbihan), che la composero nel 1929. Stivell la riprese e ne fece una hit mondiale.

Gouel Hollvedel IV’ (da «Symphonie Celtique» 1980) è la quarta e ultima parte della suite Gouel Hollvedel e presenta un testo che è diventato la “canzone più ballata di Bretagna”. Stivell la interpreta con grande forza richiamando più volte, e certo non ccasualmente, il concetto di “rispetto”, rispetto per l’uomo, rispetto per la natura umana, rispetto per la Bretagna, rispetto per la lingua bretone.

A questo punto la temperatura tra il pubblico sale e di pari passo salgono d’intensità gli applausi del pubblico tra cui alcuni bretoni che di lì a poco sarebbero scesi davanti al palco per ballare sulle note di Stivell.

Proseguendo nel suo programma l’artista presenta in rapida successione “Suite Sudarmoricaine” e “Kimiad”, canzone bretone scritta da Prosper Proux dedicata ai giovani che abbandonano le proprie case per andare in guerra; ancora una volta Stivell ne fornisce una interpretazione toccante dedicandola ad un amico scomparso poche settimane prima.

Il concerto si chiude con una trascinante versione di “Tri Martolod”, l’immaginaria storia di tre marinai tratta dalla tradizione folk della Bretagna.

A questo punto, come accennato, molti – giovani e meno giovani – hanno già abbandonato i propri posti accalcandosi sotto il palco a cantare e bellare in gruppo…ad un certo punto lo stesso Stivell scende dal palco e si mette a danzare con il pubblico suscitando una vera e propria ovazione.

Il concerto si è chiuso con un acclamato bis, “Bro Gozh Ma Zadoù”, Inno nazionale bretone, eseguito a cappella con grande, grande partecipazione emotiva sia dell’artista sia del pubblico.

Gerlando Gatto