Amanita – Gente a Sud” – Zone di Musica – 1108
Raul Gagliardi alla chitarra, Carlo Cirino al contrabbasso e Maurizio Mirabelli sono i componenti del trio “Amanita”, nato a Cosenza nel 2009, ed ora giunto all’esordio discografico con questo “Gente a Sud”. L’album si lascia ascoltare innanzitutto per la varietà del repertorio che, eccezion fatta per due rivisitazioni (“Enjoy the silence” di Martin Lee Gore e “Centro di gravità permanente” di Franco Battiato e Giusto Pio) presenta sette inediti dovuti tutti alla penna del chitarrista. Il trio evidenzia innanzitutto un buon affiatamento che gli consente di affrontare con disinvoltura partiture non facili. Anche perché l’universo di riferimento non è solo il jazz ma l’intero mediterraneo cui i tre guardano continuamente come grande motivo ispiratore. Di qui un jazz moderno ma con sapori-umori che richiamano atmosfere antiche, in un susseguirsi di situazioni anche molto diverse tra loro, comunque sempre in buon equilibrio tra scrittura e improvvisazione. A conferma dell’eccellente lavoro di Gagliardi che, oltre ad aver – come già detto – scritto quasi tutto il repertorio dell’album, lo interpreta con piglio e tecnica senza cadere nella vuota retorica del virtuosismo e cercando sempre di tessere una trama intellegibile. Ne abbiamo un’evidente conferma in “Enjoy the silence” dei Depeche Mode pervaso da una dolce malinconia di fondo, mentre il brano di Battiato viene rivisitato totalmente specie dal punto di vista ritmico – armonico con un centrato assolo di Cirino.

Giammarco quartet

Prosegue, all’Auditorium Parco della Musica di Roma, la rassegna Recording Studio che dà la possibilità al pubblico di assistere alla registrazione di album.
Il primo appuntamento dell’anno oggi (mercoledì 1 febbraio) è con lo “Special Quartet” composto da Maurizo Giammarco sassofoni, Vic Juris chitarra, Jay Anderson contrabbasso e Adam Nussbaum batteria. Tutti appartengono a una generazione formatasi negli anni Sessanta, Settanta e Ottanta accanto a grandi nomi del jazz storico ancora in attività e che ha parimenti inglobato nel proprio DNA lo straordinario fermento creativo di un’epoca in cui il jazz, aprendosi a contaminazioni di ogni tipo, si è avviato alla sua attuale identità di musica globale per eccellenza. Lo straordinario e sterminato elenco delle collaborazioni dei quattro musicisti è il dato più eloquente dell’incredibile background che li contraddistingue e accomuna.

Il quartetto combina le forze del sassofonista italiano con quelle dei tre americani, già colleghi nel trio di Vic Juris da ormai diverso tempo. Pur avendo già suonato insieme in qualche occasione, i quattro uniscono per la prima volta le loro forze in un progetto di più ampio respiro, caratterizzato da composizioni originali in cui convergono input di ogni genere, provenienti dalle loro molteplici esperienze. Forte di robuste radici, la musica di questo quartetto è la migliore garanzia ed espressione di un jazz traghettato e proiettato nel nuovo millennio.

Andrea Alberti (foto Elif Buzlupinar)

Si svolgerà da 9 al 12 febbraio, presso la Sala Concerti di Piazza O. Giustiniani (ex mattatoio) a Roma, la prima edizione del “Testaccio Festival Jazz & Creative Music” in uno spazio dedicato al jazz ed alla musica creativa e sperimentale. In apertura Anita Wardell, che in quell’occasione sarà anche impegnata per il secondo seminario alla Scuola di Musica di Testaccio sullo scat ed il vocalese. Il 10 febbraio il piano solo di Andrea Alberti; Andrea Alberti,pianista leader dell’Orchestra Mediterranea,in questa occasione si presenta da solista per presentare il suo nuovo CD ” Dragut ” prodotto da Terre Sommerse. In programma brani originali e noti jazz standards rivisitati.

Il pianista Andrea Alberti, già sin dall’inizio degli anni ’80 si è segnalato per avere operato una fusione tra la musica mediterranea ed il jazz. La sua ricca attività discografica e concertistica testimonia la costanza e la coerenza con la quale ha portato avanti la sua creatività in questo filone musicale , all’interno del quale egli risulta essere una delle figure principali”.

Dopo l’esibizione di Alberti, sarà la volta del Mario Raja Quartet con i suoi originali e raffinati arrangiamenti. Sabato 11 febbraio piano-solo di Paolo Cintio e il Camera Ensemble con repertorio di confine tra jazz, mediterraneo e classico.

Mario Raja

Domenica 12 febbraio chiusura con la sperimentazione free e non solo di Pasquale Innarella con il suo quartetto fino al jazz fresco ed energico del Why Trio di Antonello Sorrentino.

Ed ecco il calendario completo della manifestazione

GIOVEDI 9 FEBBRAIO ore 21,00
Incontro con Anita Wardell
Dalla canzone americana alla nuova composizione vocale
Anita Wardell & Testaccio Jazz Ensemble

VENERDI 10 FEBBRAIO ore 21,00
Andrea Alberti
pianoforte solo

Mario Raja Quartetto
Enrico Bracco chitarra,
Luca Fattorini contrabbasso,
Armando Sciommeri batteria,
Mario Raja sax tenore

SABATO 11 FEBBRAIO ore 21,00
Paolo Cintio
pianoforte solo

Camera Ensemble
Giovanni Palombo chitarre acustiche,
Gabriele Coen clarinetto e sax
Benny Penazzi violoncello,
Andrea Piccioni percussioni etniche

DOMENICA 12 FEBBRAIO ore 18,00
Why Trio (harmonicless)
Antonello Sorrentino tromba,
Riccardo Gola basso,
Ermanno Baron batteria

Pasquale Innarella Quartet
Francesco Lo Cascio vibrafono,
Pino Sallusti contrabbasso
Pasquale Innarella sax,
Roberto Altamura batteria

Trasmissione al limite del surreale quella che è andata in onda lunedì 30 dicembre su RaiUno: nel salotto di Bruno Vespa si sono dati appuntamento tutti i soloni di Mamma Rai per spiegarci quanto è buona, quanto è brava, quanto è bella l’emittente di Stato e come, perciò, sia giusto… anzi bello pagare il canone. Il tutto completato da cartelloni vari che ci spiegavano come siamo fortunati a pagare così poco dal momento che negli altri Paesi si versa molto, ma molto di più. Ma allora, ci si chiede, siamo proprio un popolo di cretini e ingrati se il canone Rai viene considerato la tassa più odiata e ingiusta?!

Il fatto è che forse la Rai, servizio pubblico, spesso si allontana dalla linea mediana per virare verso l’una o l’altra direzione cosicché da buona parte dei telespettatori non viene più percepita come imparziale, spiegava lunedì il buon Magalli che forse non sarà un maitre à penser di quelli che piacciono tanto ai salotti buoni ma che conserva ancora una sana dose di buon senso. Obiezione naturalmente lasciata cadere nel nulla che mai e poi mai i conduttori presenti in studio avrebbero ammesso una seppur minima parzialità nelle rispettive linee di conduzione.

Ma lasciamo da parte queste considerazioni politiche ed entriamo nel merito dei programmi. La tesi, teoricamente giusta, è che il canone serve a finanziare quei programmi che non attirando pubblicità mai si farebbero, lasciando così “scoperte” esigenze di varie fasce di pubblico. E allora noi appassionati di musica, cosa dovremmo dire? Come siamo considerati dai dirigenti Rai ignoranti o insignificanti? Perché tutto si può dire tranne che la Rai si occupi sufficientemente di musica. Le iniziative dello scorso anno sono state fallimentari come evidenziato dal non fortunato (sic!) ciclo dedicato ai delitti rock. E allora per trovare un po’ di musica bisogna andare a cercarla con il lanternino su RAI 5. E ovviamente stiamo parlando di musica colta e pop ché di jazz neanche a parlarne. E per favore non tiratemi in ballo le trasmissioni di Bollani: quelli erano programmi di divulgazione, che possono piacere o meno, ma in cui il ruolo del jazz era affatto marginale. Conclusione: per la Rai gli appassionati di jazz non meritano rispetto alcuno… però il canone devono pagarlo lo stesso altrimenti come si farebbero programmi in onda alle 4,10 del mattino come, cito testualmente, “Economia e Valutazioni delle Imprese – Prof. Guido Paolucci (Università Politecnica delle Marche)”.

Joey De Francesco (foto Daniela Crevena)

Un allegro, profondo, incredibilmente vitale Joey De Francesco è salito sul palco della Sala Petrassi all’Auditorium Parco della Musica, regalando  un’ ora abbondante di prodigi all’ Organo Hammond per il suo concerto in solo. Un’ ora tutt’ altro che monotona o noiosa: De Francesco è un virtuoso, ma la sua miracolosa tecnica la utilizza non per stupire dal punto di vista acrobatico ma per stupire dal punto di vista puramente musicale.

Swingante, fantasioso, divertente intrattenitore – più ironico e sornione che furbamente ammiccante-  De Francesco ha prima di tutto suonato brani molto azzeccati dal punto di vista della vivacità espressiva, sia che essi fossero standard che  pezzi originali.  Ma ciò che veramente ha stupito chi vi scrive è stato l’utilizzo al massimo delle potenzialità di uno strumento “riassuntivo” come l’organo, suonato  secondo arrangiamenti da “Big Band”.  Le due mani sono andate sui tasti simulando sezioni di fiati, poderosi “Walkin’ Bass” a reggere complicate strutture “domanda – risposta” tra sezioni, parti obbligati e improvvisazioni di tromba; persino il classico “click” dello scattare dei tasti, tipico dell’Hammond, è sembrato avere un suo perché e non essere per niente casuale, fornendo preziosi “battiti” di un’ipotetica “ritmica”‘- apparentemente assenti e dunque incompatibili  con un suono così “placido” come quello dell’organo elettrico.

Arrangiamenti complessi ma un suono “astratto” hanno dato il via ad un gioco di contrasti a dir poco affascinante:  in   “Blues in three”, ad esempio, con una bellissima intro in stile chitarristico, in ¾ ma con un fraseggio sapiente da farlo swingare come se fosse  un tempo pari.  O “Fly me to the Moon”, un classico richiesto dal pubblico, completo di cardiotonici “Stop Times”,  classico rivisitato e dunque per nulla scontato.  Tanto è lo swing di questo prodigioso musicista che si è assistito a un evento rarissimo: il pubblico che ha battuto le mani senza perdere il tempo (in levare) per tutta, dicasi tutta la durata del brano… o era un pubblico tutto di esperti, o De Francesco ha un “potere musicale” carismatico sul pubblico (il che appare più probabile).

Uno spettacolo incredibilmente bello e musicalmente di altissimo livello, tenendo conto oltretutto che sono davvero pochi  i virtuosi di questo strumento difficile che possano reggere quasi un’ora e mezzo di palco da soli entusiasmando il pubblico come è accaduto all’Auditorium.  Vi consigliamo caldamente di andarlo ad ascoltare quando, si spera presto, ricapiterà in Italia.  Grande, grande Jazz!

Hiromi

In questo periodo sono in tournée nel nostro Paese due artiste assai prestigiose, la canadese Tèrez Montcalm e la giapponese Hiromi. Si tratta di due personalità molto forti che si sono particolarmente affermate in questi ultimi periodi seppure per caratteristiche totalmente diverse.

Per la Montcalm tra gli appassionati di jazz si è posto un quesito interessante anche se antico: la personalità di un artista si forma strada facendo o, una volta raggiunto un certo status, si cristallizza in formule che ammettono solo poche modificazioni? Chi scrive propende per la prima ipotesi avendo riguardo ad artisti quali Miles Davis che alla fine del suo percorso stilistico suonava in maniera nettamente diversa rispetto agli inizi. E di esempi di questo tipo se ne potrebbero fare molti altri. Comunque, senza proporre accostamenti che potrebbero apparire blasfemi, Tèrez Montcalm ha evidenziato uno sviluppo artistico di evidente accostamento al jazz ben evidenziato dall’ultimo album dedicato a Shirley Horn, la sua cantante preferita. E’ la stessa Montcalm a spiegare questa sua predilezione: “Era l’unica – afferma – che riusciva a cantare ballate così lente, dando un ritmo rilassato e riuscendo a rallentare lo swing”. Affermazioni che potrebbero apparire ovvie se non si tenesse conto di che cosa aveva prodotto Tèrez in precedenza: nei suoi due album “Voodoo” e  “Connection”, la cantante aveva evidenziato uno stile in cui le influenze soul e funky erano sicuramente più importanti e forti di quelle jazz. Adesso il discorso è completamente diverso: la Montcalm propone una serie di ballades nel solco di quella sensibilità interpretativa propria della Horn ed anche se, ovviamente, il canto di quest’ultima rimane irraggiungibile, Tèrez si dimostra vocalist di assoluto livello dotata di una voce calda e profonda e di squisita sensibilità.
(L’artista sarà in Italia il 30 gennaio all’Auditorium Parco della Musica di Roma, il 31 a Le Ciminiere di Catania e il I febbraio al Teatro Dante di Palermo).

Montcalm

Molto più lineare il percorso artistico della giapponese Hiromi considerata a ben ragione una stella del nuovo firmamento jazzistico già dal 2003 quando venne pubblicato il suo album d’esordio “Another Mind”. Il cd vendette in Giappone 100 mila copie e fu premiato come Album of the Year dalla RIAJ (Recording Industry Association of Japan). Successo bissato l’anno dopo dal secondo album della compositrice/tastierista, “Brain”, che ricevette il premio Horizon ai Surround Music Awards, il premio New Star dal Swing Journal, l’album d’oro da Jazz Life, il Best Japanese Jazz Album da HMV Japan, e il premio miglior artista giapponese del Japan Music Pen Club, club di giornalisti di musica jazz e classica. “Brain” è stato anche nominato album dell’anno dai lettori del Swing Journal nel 2005. Ma non è finita perché nel 2006 Hiromi ha vinto il Best Jazz Act ai Boston Music Awards e il premio Rising Star al Guinness Jazz Festival. Ha inoltre meritato i premi Jazzman of the Year, Pianist of the Year e Album of the Year nel sondaggio dei lettori giapponesi del Swing Journal per il suo album del 2006, “Spiral”. Hiromi continua la serie vincente con l’uscita del 2007 “Time Control” e del 2008, “Beyond Standard”. Entrambi i dischi vedono la partecipazione speciale della super band di Hiromi, i Sonic Bloom.
Nel gennaio 2010 è stato pubblicato il suo più recente disco di piano solo, dal titolo “Place to be”.
Insomma la storia di Hiromi è quella di un’artista che individuata precocemente la sua strada non l’ha più abbandonata ottenendo una serie straordinaria di successi frutto di indubbio talento ma anche di tanto, tanto studio.
Nata a Shizuoka, in Giappone, nel 1979, Hiromi Uehara prende le prime lezioni di piano all’età di 6 anni, dimostrandosi subito dotatissima, precoce e rapida nell’apprendere. All’età di 7 anni entra a far parte della prestigiosa Yamaha School of Music, e a 12 anni si esibisce per la prima volta in pubblico con orchestre di prestigio. A 14 anni Hiromi si reca in Cecoslovacchia dove ha modo di suonare con l’Orchestra Filarmonica Ceca. A 17 anni suona dal vivo con il pianista Chick Corea, il quale decide di incontrarla a Tokyo e, dopo un provino, la invita a partecipare al concerto che avrebbe tenuto nella città il giorno seguente. Nel 1999 Hiromi si iscrive al Berklee College of Music di Boston, dove si diploma col massimo dei voti nel 2003. Alla Berklee conosce Ahmad Jamal, che col tempo diventa suo mentore.
Dal debutto del 2003, Hiromi continua il suo tour in tutto il mondo e partecipa ai più prestigiosi Jazz Festival del mondo.
Ma quali sono i motivi del successo planetario di quest’artista? Data per scontata una tecnica sopraffina, quel che come al solito fa la differenza è la sensibilità dell’artista e quindi la sua capacità di comunicare. Ebbene, Hiromi trasmette il suo modo di vedere, di vivere la musica come un punto di incontro in cui confluiscono tutti gli input che l’hanno interessata nel corso della sua vita, dal jazz canonico al free più spinto, dalla musica elettronica a quella colta … per giungere sino alle sonorità orientali. «Io amo Bach, Oscar Peterson e Franz Liszt – spiega Hiromi – ma amo anche Ahmad Jamal e Sly & the Family Stone, Dream Theater e King Crimson. Sportivi come Carl Lewis e Michael Jordan sono mia grandissima fonte di ispirazione: fondamentalmente, mi sento ispirata da chiunque abbia grande, grande energia.» Quella stessa energia che Hiromi trasmette al pubblico durante ogni suo concerto.
(L’artista suonerà in Italia il 27 gennaio a San Giovanni Valdarno (AR) al Teatro Bucci, il 28 gennaio a Roma all’ Auditorium Parco della Musica; il 29 aprile invece sarà a Ravenna con il suo trio).

Danilo Rea

Ritorna all’attenzione della cronaca quello che per molti, troppi anni fu il regno incontrastato di Maurizio Costanzo: con la direzione artistica di Luigi De Filippo il Parioli si ripresenta al pubblico romano con una nuova facies evidenziata al meglio dallo stesso nome adesso aggiornato in “Teatro Parioli Peppino De Filippo” dedicato, cioè, ad una delle figure più importanti del teatro, e quindi della cultura, italiani.

Ma non è questa la sola buona notizia. Abbandonati, si spera per sempre, i talkshow, il Parioli rivolgerà la sua attenzione non solo, come è naturale, al teatro ma anche alla musica, in particolar modo al jazz. Così la mattina di lunedì 23 dicembre è stata presentata la rassegna “Parioli in Musica – Note di lunedì”, sette appuntamenti che, a partire dal 5 marzo e fino al 30 aprile, vedranno alternarsi sul palco del Teatro alcuni dei migliori esponenti del jazz italiano. E alla conferenza stampa ha partecipato in prima persona lo stesso De Filippo che, a 81 anni suonati, ha parlato con tale entusiasmo e competenza del jazz da risultare a tratti davvero trascinante se non commovente. La rassegna, che al di là dei risultati va encomiata per il solo fatto di essere stata pensata e voluta in un momento come questo di grande crisi economica, è organizzata dallo stesso “Teatro Parioli Peppino De Filippo” in collaborazione con le Associazioni Kuntura e Luce a Cavallo.

Ma diamo un’occhiata più da vicino al cartellone che presenta una interessante novità rispetto a tutte le altre manifestazioni del genere: ogni lunedì l’esibizione dei big verrà preceduta da quella di un gruppo esordiente, uno di quei tanti gruppi che orbitano nell’ambiente romano senza avere l’occasione di farsi ascoltare in un ambiente congruo; ecco il Teatro Parioli offre loro questa opportunità e di sicuro ci sarà modo di scoprire qualche nuovo talento.

A dar fuoco alle polveri, il 5 marzo, sarà la vocalist Nicky Nicolai con il suo recital “Con tutte le note che ho”; l’appuntamento è di quelli da non perdere dato che si tratta di un ritorno alle scene dopo tre anni di pausa. La cantante sarà accompagnata da una orchestra costituita in massima parte da giovani provenienti dal Conservatorio di Santa Cecilia; annunciate sorprese.

Il 19 marzo Danilo Rea con il suo “Omaggio a Fabrizio De André”. Documentato da uno splendido album, la performance di Rea sulle note di De André appare quanto mai convincente in quanto riesce ad esprimere al meglio il mondo del cantautore senza tradirne lo spirito originario.

Il 26 marzo ecco una delle sorprese del cartellone, Erica Mou. La giovane emergente cantautrice con il suo album d’esordio “E’” è entrata nella rosa dei finalisti per la miglior opera prima dell’ultima edizione del “Premio Tenco” e successivamente è stata premiata dal MEI come miglior nuovo talento del 2011. Ciliegina sulla torta: è entrata a far parte del cast di Sanremo 2012.
Il 2 aprile Javier Girotto & Aires Tango; con alle spalle una oramai lunga carriera, documentata da alcuni splendidi album, gli Aires Tango riescono sempre ad emozionare chi li ascolta con il cuore e la mente aperti.

Il 16 aprile una delle più raffinate interpreti della canzone italiana, Antonella Ruggiero, in una formazione diversa dal solito, vale a dire in trio con Fabio Zeppetella alla chitarra e Ramberto Ciammarughi al pianoforte.

Il 23 aprile “Brunori S.a.S.” ovvero Dario Brunori che si autodefinisce neo-urlatore italiano, in un percorso artistico – musicale che si riallaccia alla canzone all’italiana così come abbiamo imparato a conoscerla ed apprezzarla attraverso le interpretazioni di artisti quali Rino Gaetano e Ivan Graziani.
Il 30 aprile chiusura in grande stile con l’ “Omaggio ai poeti della canzone italiana” presentato da Claudio Santamaria nell’insolita veste di cantante accompagnato da una band jazz di altissimo livello con Roberto Gatto alla batteria, Ares Tavolazzi al contrabbasso e i già citati Fabio Zeppetella alla chitarra e Ramberto Ciammarughi al pianoforte.

Un’ultima notazione; nel corso di un intervento è stato detto che il Parioli per troppo tempo ha rappresentato il punto più basso raggiunto dalla cultura italiana con evidente riferimento alle trasmissioni di Costanzo… dire queste cose adesso è facile, troppo facile… avremmo voluto ascoltarle qualche anno fa quando la valenza delle trasmissioni di Costanzo era quel che era, ma lo stesso giornalista era considerato una sorta di icona da certa intellighentia nostrana… o lo abbiamo dimenticato?

A partire da questo numero, “A proposito di jazz” si arricchisce di una firma ben conosciuta e prestigiosa, quella del giornalista e critico Luigi Onori che inizia la sua collaborazione partecipando alla rubrica “I Nostri CD”.

• Marco Colonna, Ivano Nardi – “The better way”
• Cool Jazz Trio – “Take 8” – usr 091/S
• Alessandro Fedrigo – “Solitario” – nusica.org 80/100
• Fononazional – “Una sera” – Fononazional
• I Compani – “The film music of Nino Rota 1911-1979” – icdisc.nl 1102 distribuzione Toondisc
• Rudresh Mahantappa – “Samdhi”- Act 9513-2
• Rêverie Duo – “Stagioni” – Slam 534
• Dino Saluzzi – “Navidad de los Andes” – ECM 2204
• Mark Soskin – “Nino Rota” – Kind of Blue 10050
• Günther Baby Sommer The New Trio – “Melting Game” – jazzwerkstatt jw101

Marco Colonna, Ivano Nardi – “The better way”

Marco Colonna, Ivano Nardi – “The better way”

Ecco un’altra piccolissima formazione che si cimenta con partiture non facili; in campo il pluristrumentista Marco Colonna e il percussionista Ivando Nardi. Quanti seguono il jazz sanno perfettamente come quella del duo sia una delle formule più pericolose, in grado di mettere in difficoltà anche musicisti di lungo corso. Il perché è facilmente spiegabile: quando si suona in due occorre da un lato che ambedue gli artisti siano in possesso di un bagaglio tecnico ed interpretativo fuori dal normale, in secondo luogo che tra i due esista un’intesa, un’empatia che consenta loro di muoversi con estrema libertà sicuri che l’uno sarà perfettamente in grado di capire quel che l’altro ha in animo di fare. Ebbene Colonna e Nardi sono, nei rispettivi ambiti, dei veri e propri maestri pur appartenendo a generazioni diverse. Il cinquantenne Nardi è musicista di lunga esperienza che vanta un curriculum di tutto rispetto nell’ambito della musica improvvisata; Colonna è un multistrumentista ( taragot, clarinetto basso e contrabbasso, sax tenore ) di grande livello che ha inciso anche con Michel Godard; ebbene questi due artisti hanno collaborato a lungo… e si sente. In “The better way” ci sono dieci brani, dedicati a personaggi dell’arte, della musica , della letteratura in cui di volta in volta cambiano gli strumenti adoperati dando vita a situazioni timbriche, espressive, architettoniche in cui l’improvvisazione la fa sempre da padrona in un percorso, comunque, sempre lucido e del tutto coerente. I due si ascoltano con grande attenzione, pronti a recepire il pur minimo input che venga dall’altro in un gioco di continui rimandi che alle volte risulta entusiasmante pur nella non facilità di linguaggio.

Franco D’Andrea (foto R. Cifarelli)

Allora è proprio vero: il jazz italiano non si limita ai quei tre – quattro nomi che dominano il mercato, ma è molto più complesso. La conferma, se pur ce ne fosse stato bisogno, arriva comunque, clamorosa, dal recente “Top Jazz” il referendum indetto dalla rivista “Musica Jazz” tra i giornalisti “specializzati”. Ebbene, sorpresa delle sorprese, nessuno dei “soliti noti” ha vinto questa volta in alcuna categoria.

Tutto ciò dimostra quanto sostenuto in un nostro recente articolo dedicato alla situazione del jazz italiano: purtroppo, anche nel nostro microcosmo, il grande successo è determinato non solo dalla bravura ma anche – e forse soprattutto – da una serie di altri fattori (organizzazione, ufficio stampa influente, rilevanza mediatica) comunque legati al mercato. E che, come si accennava nel già citato articolo, l’eccellenza artistica spesso non fa premio su altri elementi si evince dal fatto che il personaggio risultato vincitore di questa tornata è Franco D’Andrea, giustamente considerato dalla stampa specializzata secondo a nessuno… e non solo a livello italiano.

Quest’anno il pianista di Merano ha vinto in due categorie (miglior formazione e miglior tastierista/pianista), si è classificato secondo come musicista dell’anno, terzo nella categoria dedicata al miglior album con “Sorapis”, quarto come compositore/arrangiatore, e – caso più unico che raro – nella classifica dei gruppi oltre al primo posto ha occupato anche il quinto con il trio.

Eppure D’Andrea non suona spessissimo, eppure D’Andrea non è molto conosciuto al di fuori dell’ambiente jazzistico, eppure D’Andrea non va in televisione. A quest’ultimo riguardo, ci si aspettava che Bollani vincesse in carrozza in parecchie categorie (musicista dell’anno, miglior disco, miglior pianista) dato che è stato praticamente l’unico jazzista italiano ad aver ottenuto spazi (e che spazi…) in televisione da Mamma Rai. Ciò non è accaduto perché ancora oggi i gusti del pubblico spesso non coincidono con quelli dei critici dal momento che necessariamente si usano parametri diversi senza che per questo si gridi allo scandalo.

In linea con queste considerazioni anche la vittoria del chitarrista Lanfranco Malaguti; da anni sulla cresta dell’onda, responsabile di un percorso stilistico quanto mai originale e personale, documentato da tutta una serie di album, Lanfranco non è certo artista da grandi numeri: dopo aver vinto il referendum quale miglior nuovo talento nel 1989, ha dovuto aspettare più di vent’anni per ottenere quest’ulteriore prestigioso riconoscimento.

Un’altra piacevole novità viene, questa volta, dalla classifica dedicata al musicista dell’anno, a prevalere Rita Marcotulli che corona così un periodo d’oro avendo vinto, nel recente passato, il Premio Ciak D’Oro, il Nastro D’Argento e il David di Donatello per la Miglior Colonna Sonora per il film Basilicata Coast to Coast di Rocco Papaleo. Tornando al “Top Jazz” era dal 1982 che tale riconoscimento non andava ad una donna e se in Italia c’è una jazzista che merita questo premio, per l’originalità dell’ispirazione, la costanza, la serietà che ha sempre messo nella sua musica, questa è certamente Rita Marcotulli. Non è questa la sede per ripercorrere la ricca carriera artistica di Rita ma egualmente piace ricordare come ancora giovanissima venne chiamata nel 1988 da Billy Cobham a far parte delle sue formazioni.

Un altro elemento che si può trarre da questo referendum è l’ottimo stato di salute del jazz romano; due musicisti che vivono nella Capitale vincono il TOP JAZZ : oltre a Rita Marcotulli, c’è anche Enzo Pietropaoli, miglior bassista. Tra i vincitori anche musicisti prodotti da Etichette romane: miglior disco «Around Ornette», Giovanni Falzone Quintet (Parco della musica Records); migliori ance : Francesco Bearzatti (Parco della Musica Records); Giovanni Falzone, miglior ottone (Parco della Musica Records); miglior nuovo talento Fulvio Sigurtà (CamJazz); Maria Pia De Vito,miglior voce (Parco della Musica Records). Enzo Pietropaoli è prodotto da Jandomusic,altra etichetta romana. Anche l’ultimo cd di Rita Marcotulli,la colonna sonora di “Basilicata Coast to Coast” è prodotto da un’etichetta romana, Alice Records.

Ciò detto diamo ora uno sguardo più da vicino alle varie classifiche. Il “Premio Arrigo Polillo” – miglior disco dell’anno – è andato ad “Around Ornette” del Giovanni Falzone Quintet; la scelta non è stata facile in quanto l’annata era stata contrassegnata da molti album di sicuro interesse tra cui “Tribe” di Enrico Rava classificato secondo, il già citato “Sorapis” e “In Sicilia una suite” di Giovanni Mazzarino.

La classifica del musicista dell’anno è una sorta di gota del jazz italiano presentando nell’ordine, alle spalle della Marcotulli, D’Andrea, Bollani, Fresu, Rava, Petrella, Bosso, Danilo Gallo, Falzone e Ottolini.

Per la formazione dell’anno, il primo premio è andato ex aequo ad un veterano (il più volte citato D’Andrea) e ad un giovane vale a dire Livio Minafra con il suo quartetto, che hanno preceduto “Tinissima” e il “Falzone quintet”.

Ancor più difficile la scelta del nuovo talento : l’ha spuntata per pochi volti Fulvio Sigurtà su Mattia Cigalini; più distanziato Claudio Filippini che, a nostro avviso, meriterebbe di più… così come Dino Rubino.

Nella classifica dedicata al miglior/compositore/arrangiatore non c’è stata invece storia: Dino Betti Van Der Not ha vinto con 138 punti mentre il secondo classificato, Maurizio Giammarco, ne ha avuti solo 44. Terzo Riccardo Brazzale.

Tra gli ottoni vittoria non scontata di Giovanni Falzone a precedere Petrella, Bosso e Aquino mentre Rava e Fresu sono stati un po’ abbandonati dai rispettivi sostenitori rispettivamente con 29 e 21 voti.

Nel comparto ance vittoria scontata di Francesco Bearzatti su Max Ionata e Francesco Cafiso mentre tra i tastieristi alle spalle di D’Andrea si sono classificati nell’ordine Giovanni Guidi, Stefano Bollani e Dado Moroni; in questa categoria figura anche Rita Marcotulli con 19 preferenze.

Tra i chitarristi bella affermazione del già citato Malaguti che ha preceduto altri due eccellenti musicisti quali Roberto Cecchetto e Maurizio Brunod, mentre qualcosa in più era attesa per Nicola Mingo autore di un eccellente album dedicato a Clifford Brown.

Giusto riconoscimento anche ad Enzo Pietropaoli che ha vinto tra i bassisti con largo margine su Rosario Bonaccorso e Paolino Dalla Porta mentre tra i batteristi il dominio di Roberto Gatto (per altro secondo) è stato infranto da Zeno De Rossi mentre un bel terzo posto è andato a Fabrizio Sferra a parere di chi scrive uno dei batteristi più immaginifici e originali che il jazz europeo possa vantare.

Tra i cantanti scontata affermazione di Maria Pia De Vito che si riconferma giustamente ai vertici dato che mai si è fermata sugli allori andando sempre a cercare nuove e più ardue vie espressive.
Infine nella categoria miscellanea primo il violinista Stefano Pastor sull’armonicista Max De Aloe e il flautista Massimo De Mattia; ottima quinta l’arpista Marcella Carboni.

di Donatella Luttazzi – Sono felice di condividere questa bellissima iniziativa di Giorgio Cuscito, pianista arrangiatore, che apprezzo molto come musicista, ma che è anche una persona vulcanica e piena di idee, che si autodefinisce specialista in “swing”. Sappiamo tutti cos’è lo swing: lo suoniamo, lo frequentiamo, ne facciamo uso (si spera) quando cantiamo jazz e non solo. Ma nessuno aveva mai pensato di dedicare un intero laboratorio a questo che è anche un genere musicale, che si è sviluppato come reazione al periodo nero della seconda guerra. E che copre quindi gli anni 30 e 40, prima che scoppiasse la rivoluzione bebop. Genere che ha avuto la fortuna di vedere le più grandi big band al lavoro: soprattutto Ellington e Basie.

Quindi appoggio in pieno le motivazioni di Giorgio Cuscito nel suo voler “replicare” quell’epoca, e quel genere, che forse molti musicisti snobbano un po’ definendolo “facile”. Ed è vero, come dice Cuscito, che molti musicisti si affacciano al jazz saltando subito al cool, o all’harbop o persino al modale, senza aver affrontato i classici, le basi, senza aver sentito Armstrong per esempio.. anche se Satchmo è un discorso talmente grande, che è a parte.

Non voglio dilungarmi. Ascolto swing da sempre, da quando ero piccola, strumentale e vocale; mi sono appassionata ai gruppi vocali: i Four Freshmen e gli Hi Lo’s, e al modo in cui vengono scritte le parti: ho studiato e non ho finito ancora di farlo, gli arrangiamenti di Gene Puerling, che cantava negli Hi Lo’s, di Mattson, e di altri. Tutto questo ha dato origine ai Manhattan Transfer, e ai grandi gruppi vocali che sentiamo adesso. Mi sono quindi proposta per il Nuccia Swing Lab, come insegnante di ensemble vocale: imparare a cantare con altre persone è affascinante, ed esaltante. E’ bellissimo sentire queste voci che vibrano insieme.. E poi gli arrangiamenti prevedono anche parti solistiche.

Per questo ho creato le Zebre a Pois, un gruppo con cui eseguo le canzoni di mio padre Lelio con miei arrangiamenti.

Ci sarà anche la possibilità di ballare, perché come sapete, lo swing è una musica trascinante, la cui struttura ritmica permette questo.

L’idea è quindi creare – e sarebbe la prima esperienza a Roma e in Italia – un polo di attrazione per tutti quei musicisti e strumentisti che volessero approfondire questo tipo di musica e di cultura. E, nel campo, io personalmente ormai sono un vero e proprio punto di riferimento, pare!

Avrei potuto farlo prima: avrei potuto proporre a una qualsiasi scuola di musica la classe sugli stili pianistici del jazz classico, o immaginare un laboratorio di jazz tradizionale in senso generico. Ma mai come in questo momento, invece, il terreno è stato così fertile. Oggi, molti musicisti hanno le motivazioni – anche professionali – per approfondire il linguaggio swing, e spesso chiedono consiglio a me.

In fondo, non si vede perché un sassofonista debba imparare a suonare “Solar” e “Blue Bossa” e non “Lady Be Good” di George Gershwin o “Ain’t Misbehavin’” di Fats Waller!! E non si vede perché debba saper sciorinare tre miliardi di note al secondo su tutte le scale del mondo, e non saper fare un assolo chiaro e danzabile, efficace armonicamente e ritmicamente, su quattro accordi. Quando poi è QUESTO che viene richiesto a un professionista.

In più, è una musica sostanzialmente semplice da comprendere e da suonare anche per i dilettanti, e soprattutto è di maggior soddisfazione: non serve una tecnica sopraffina per fare delle cose “vere” ed efficaci musicalmente!”

Insomma, l’ho fatto: mi sono messo d’accordo con lo Studio Nuccia, per la location e la parte amministrativa, e ho contattato i migliori musicisti di jazz classico e swing in circolazione, e tutti si sono dimostrati entusiasti all’idea di poter finalmente raccontare – a chi vuole, e ce ne sono tantissimi – quali erano i trucchi dei sovracuti di Louis Armstrong, o le concezioni armoniche del primo grande sassofonista della storia, Coleman Hawkins, o i “licks” del mitico batterista Jo Jones, o lo slap del miglior contrabbassista di New Orleans, Pops Foster, o le frasi dei primi pionieri della chitarra elettrica come Charlie Christian e Eddie Durham.

Per quanto mi riguarda, insegnerò a suonare il pianoforte e ad arrangiare in perfetto stile swing. Ma soprattutto curerò il CUORE del progetto, che è il LABORATORIO DI MUSICA D’INSIEME. Impareremo a suonare per far ballare, a mantenere i giusti andamenti ritmici, a suonare con forza e relax insieme, a creare dei background e dei sottofondi ritmici (i famosi “riff”) per sostenere i solisti in maniera spontanea e naturale. E soprattutto, impareremo a divertirci e a divertire – pur mantenendo la consapevolezza di fare musica vera, pur esprimendo profondamente se stessi – con il jazz.

Perché no??

Il corpo docenti del Nuccia Swing Lab è composto da:

Giorgio Cùscito – pianoforte, arrangiamento, laboratori

Michael Supnick – tromba e trombone

Luca Velotti – sassofoni e clarinetto

Lino Patruno – banjo

Daniele Cordisco – chitarra

Guido Giacomini – contrabbasso

Alfredo Romeo – batteria

Lara Luppi – canto

Donatella Luttazzi- gruppo vocale

E’ appena iniziato il nuovo anno ed è tempo di tirare un po’ di somme. Tra quelle più interessanti c’è la lista degli articoli di A Proposito di Jazz che sono stati i più letti degli scorsi 12 mesi. Avete già idea di quali potrebbero essere? Volete conoscere la top 10 dei contenuti più visitati nel corso dell’anno? Seguiteci dopo il salto allora! Buona lettura.

1. Roma: torna il Music Inn
2. Festival di San Remo: Gualazzi, Vecchioni e poco più
3. Amici, la rivincita di due giovani talentuosi
4. Successo per l’orchestra italiana del cinema a Pechino
5. I nostri CD del 31/3/2011
6. Presentato il CD “Otherwise” di Filippo Tirincanti
7. Festival Jazz in Italia e in Svizzera
8. Delitti Rock e Sostiene Bollani in onda sulle reti Rai
9. Il jazz in Italia, un mondo ingessato
10. Non convince Delitti Rock

Hard Chords Trio

Gli Hard Chords Trio suonano il 4 gennaio in uno dei locali più prestigiosi di Roma: lo storico AlexanderPlatz. Il trio formato da Paolo Grillo (contrabbasso), Lorenzo Ditta (pianoforte) e Davide Pentassuglia (batteria) porterà sul palco la sua musica celebre ed originale al tempo stesso, con la rielaborazione in jazz dei più grandi successi del rock. Dai Rolling Stones, ai Nirvana, ai Police e molti altri, gli Hard Chords Trio vi accompagneranno in un viaggio affascinante tra ricordi e innovazione.

Gli Hard Chords Trio sono uno dei gruppi più interessanti del nuovo panorama jazzistico della Capitale, grazie alla creatività ed all’originalità degli arrangiamenti. Chi ha avuto la possibilità di ascoltarli dal vivo non ha potuto fare a meno di farsi trasportare dal loro spettacolo, che cattura l’attenzione degli spettatori con alcune tra le melodie più celebri della musica rock di tutti i tempi.

Il gruppo esprime livelli di esperienza musicale via via più profondi, passando dalla rassicurante familiarità e rilassatezza dei temi alla tensione delle improvvisazioni, amalgamando componenti così apparentemente distanti in un unico, appassionante flusso sonoro. Appuntamento dunque all’AlexanderPlatz.

HARD CHORDS TRIO

Lorenzo Ditta – Pianoforte
Paolo Grillo – Contrabbasso
Davide Pentassuglia – Batteria

• Bach off beat – “Johann Sebastian Bach Trio Sonatas” – Crocevia di suoni 006
• Barber Mouse – “Plays Subsonica” – Auand 9026
• Big Blue – “Big Blue” – CamJazz 3311-2
• Samuel Blaser – “Boundless” – Hat ology 706
• Luca Cacucciolo – “Evolving” – Radio SNJ 023
• Enzo Favata/Mario Crispi – “Insulae” – Isola dei Suoni 005
• Claudio Filippini – “The enchanted garden” – CamJazz 7839
• Giovanni Francesca – “Genesi” . Auand 9027
• Giorgio Gaslini – “Piano solo – Incanti” CamJazz 7846-2
• Keith Jarrett – “Rio” – ECM 2198/99 2CD
• Gianluca Salvadori – “Due Passanti” – pus(H)in 1006.2
• Giovanni Tommaso – “BassoProfilo” – CamJazz 7844
• Antonio Tosques – “Block Notes” – Dodicilune 288
• Vertere String Quartet & Robertinho De Paula – “Vera Cruz” – Dodicilune 291

Bach off beat – “Johann Sebastian Bach Trio Sonatas”

Bach off beat – “Johann Sebastian Bach Trio Sonatas” – Crocevia di suoni 006
Si fanno sempre più frequenti le commistioni tra jazz e musica colta e occorre sottolineare come oramai questo tipo di operazione sia supportato da una ben definita progettualità e da una approfondita conoscenza di ambedue le materie trattate. Questo album non sfugge alla regola ché anzi ci presenta un gruppo di tutto rispetto composto sia da jazzisti sia da musicisti provenienti dall’area colta, in grado di ben eseguire le partiture bachiane. In realtà qui ci si rivolge ad un aspetto precipuo della vastissima produzione di Bach, vale a dire il “Trio Sonatas” per organo cioè la II in do minore BWV 526, la I in mi bemolle maggiore BWV 525 e la VI in sol maggiore BWV 530. Il gruppo, come si accennava, è misto: Omar Zoboli (oboe, corno inglese, sax soprano) è solista avvezzo a frequentare la musica da camera, quella contemporanea e quella barocca; anche la vocalist e solista di corno inglese Yael Zamir e il clarinettista Sergio Delmastro appartengono più o meno allo stesso ambiente; viceversa Massimo Colombo, (pianista di vaglia e valido arrangiatore) e Ferdinando Faraò (batterista e compositore) sono due fra i più acclamati solisti della scena jazzistica nazionale; ebbene il connubio è perfettamente riuscito e le improvvisazioni di Colombo si legano perfettamente con quelle dei compagni d’avventura dando all’album un’assoluta coerenza di fondo. Obiettivo particolarmente difficile da raggiungere in quanto non ci si è limitati ad arrangiare le composizioni di Bach ma intorno e dentro le stesse sono state inserite, come le definiscono gli stessi musicisti, delle “brevi pause di riflessione improvvisata” che se mal concepite avrebbero rischiato di rovinare il tutto.

Se il mondo del jazz piange (come ho cercato di illustrare in un recente articolo) quello del pop di certo non ride. I concerti – è vero – sono seguiti ma quando sul palco ci sono i grandi nomi; i dischi si vendono poco e, soprattutto, non c’è un ricambio generazionale degno di questo nome: all’orizzonte appaiono molti nomi che, immancabilmente, uno dopo l’altro, vengono bruciati nell’arco di qualche anno in quanto di realmente artistico c’è ben poco…. per usare un eufemismo. Come sottolineato altre volte in questa stessa sede, una grande responsabilità di tutto ciò ricade sui reality musicali che hanno una duplice colpa: da un canto spacciare per grandi artisti cantanti che non lo sono e in secondo luogo influenzare pesantemente i gusti del pubblico non certo in modo positivo. Di qui l’attenzione che ogni anno riserviamo alla trasmissione principale in questo campo, vale a dire Amici di Canale 5.

Viste le prime puntate si può già avanzare qualche considerazione, amara come al solito. Ogni volta speriamo che qualcosa cambi, che qualche correttivo venga attuato e poi le modifiche si risolvono in un ulteriore peggioramento.

Quest’anno i prof. sono rimasti sostanzialmente quelli dello scorso anno ma con un cambio di atteggiamento: così la parte degli “antipatici” spetta a Cannito (che sembra aver seguito le indicazioni della Celentano per quanto riguarda la perfezione dei corpi dei ballerini) e a Garrison spesso inutilmente polemico e aggressivo specie nei confronti della ballerina Junieska.

Per quanto concerne il canto, stranamente e giustamente silente Rudi Zerbi che sta facendo un ottimo lavoro, mentre francamente troppi i battibecchi tra Mara Maionchi e Grazia Di Michele, quest’ultima come al solito troppo spesso “acida” nei confronti di chi lei non stima, poco importando il parere degli altri; emblematico al riguardo l’atteggiamento con Gerardo cui non perde occasione di ricordare che sostanzialmente non sa cantare (opinione rispettabilissima, ma pur sempre opinione). Ora io vorrei chiedere alla Di Michele dove sta scritto che uno debba saper eseguire tutto, quando, invece, per un artista è importante se non determinante la riconoscibilità ovvero la costruzione di un proprio stile… e secondo noi, a questo dovrebbe servire la scuola di Amici, vale a dire a valorizzare i talenti (pochissimi) che esistono senza necessariamente portarli su strade diverse da quella in cui sono già incanalati. E non servono a contestare questa tesi le considerazioni di Mauro Coruzzi – in arte Platinette – di cui davvero non si sentiva la mancanza, specie quando viene in studio quasi unicamente per suffragare le posizioni della Di Michele. Ma, a proposito di quest’ultima, vedendo Amici mi ero abituato a considerarla personaggio assai scomodo; viceversa un amico jazzista della cui buona fede non ho ragione di dubitare, mi ha invece riferito che si tratta di persona dolcissima, affabile e pronta al dialogo… allora, sig.a Di Michele, perché non si mostra così anche durante la trasmissione di Amici? Ne saremmo tutti più contenti… probabilmente anche Lei.

E veniamo agli alunni. Purtroppo anche quest’anno presunzione tanta… educazione poca; solidarietà e spirito di squadra nulli. Qualche consiglio soprattutto a due elementi della squadra gialla: a Ottavio consiglierei di ascoltare per ore ed ore Frank Sinatra e Tony Bennett per capire che almeno per ora c’è ben poco da montarsi la testa; quantunque dovesse vincere “Amici” perché mai si dovrebbero comprare i dischi di una copia quando sul mercato ci sono gli originali? Ciò per dire che Ottavio, pur bravo quanto si vuole, deve trovare una propria cifra stilistica se vuole andare avanti.

Quanto a Carlo Alberto “ricciolino” anche se qualche volta non è d’accordo con la Di Michele non casca il mondo… e poi azzeccare tutte le note può significare cantar bene, ma non necessariamente emozionare: per questo ci vuole altro, molto altro!

Semplicemente disgustoso, poi, l’atteggiamento di tutti i concorrenti nei confronti di Alessia e Gerardo, atteggiamento giustamente stigmatizzato dal solo Zerbi: sembra che pur di vincere siano disposti a tutto; se questi sono i modelli di società che ci vengono proposti, allora siamo messi davvero male!

Per quanto concerne la formula del programma, sgradevole appare il fatto che un ragazzo prima venga selezionato e poi debba uscire per effetto di una sfida persa magari perché in quel giorno non era particolarmente in forma: avete fatto delle selezioni, operato delle scelte? Portatele avanti fino in fondo, fino a quando non si giungerà al serale.

Infine un’ultima considerazione; lo diciamo ogni anno e naturalmente nessuno ci da ascolto ma noi insistiamo: accanto alla categoria del canto e del ballo perché non istituire una terza categoria dedicata agli strumentisti: sicuramente sarebbe una bella vetrina per molti ragazzi talentuosi che esistono nel nostro Paese e che non hanno praticamente occasione di mettersi in mostra.

High Five Quintet (foto Paolo Giommi)

Tutto ciò che un appassionato può chiedere al Jazz è andato in scena sul palco del Pala J di Fano durante il concerto (che non è esagerato definire memorabile) degli High Five Quintet.  E allora la domanda è: cosa un appassionato chiede al Jazz? Ma anche.  Il Jazz èuna musica per soli appassionati? Io direi che il Jazz,se è quello che hanno suonato gli High Five è piuttosto una musica che appassiona.  Appassiona chiunque purché la sua indubbia difficoltà non sia artificioso ermetismo, purché la sua indiscutibile imprevedibilità non si tramuti in incomunicabilità.

Che cosa è accaduto quindi a Fano? Semplicemente che cinque musicisti a livelli di eccellenza abbiano suonato in maniera impeccabile: con assoluta precisione ma senza pedanteria, con istinto ma senza egoismo autoreferenziale, con energia ma senza tracimare in esplosioni indistinte di suoni… anzi!  La cosa stupefacente è stata ascoltare una perfetta coesione del gruppo ma allo stesso tempo una singolare definitezza espressiva di ognuno, che si poteva agevolmente seguire concentrandosi su uno o l’altro alternativamente.

Le proibitissime (nell’armonia colta) quarte parallele tra Bosso e Daniele Scannapieco che eseguivano il tema di “Something cute” hanno aperto il concerto, emblematiche di quanto perfetta possa essere la “trasgressione”: nelle parti obbligate (come nel caso di questo incipit particolarmente efficace) per tutto lo svolgimento del concerto c’è stata la cura dei particolari, che poi è quella che fa la differenza, specialmente nel Jazz, che è un genere musicale sempre a rischio sciatteria, approssimazione…. e aggiungo, senza paura di essere smentita, anche irresistibile attrattiva per musicisti non propriamente inappuntabili, che si fanno forti di un alibi in realtà debolissimo: quello dell’improvvisazione, lasciapassare – per jazzisti di serie B – per disattenzioni, imprecisioni, grovigli indistinti di note che tutto sono fuorché musica.

High Five Quintet (foto Paolo Giommi)

Gli High Five questo rischio non lo corrono per nulla.  Energici, prodigiosamente energici (Frogs Dance, di Luca Mannutza, che si è mostrato lirico e irrefrenabilmente creativo), ma anche morbidamente languidi (il loro Body and Soul durante il bis è stato emozionante eppure tutt’altro che sdolcinato), veri atleti eppure così comunicativi e musicali da suscitare applausi entusiastici anche nei momenti più difficili e apparentemente inestricabili, quella cura gli High Five l’hanno messa nei soli, nei momenti improvvisati, l’hanno messa addirittura nei silenzi.  Non fanno musica facile gli High Five, né furba.  Ogni tanto si concedono (giustamente) un “occhiolino sonoro” al pubblico, ma sono ben lungi dall’istrionismo che va così di moda in questo periodo in Italia.  Del quale si può fare francamente a meno: il pubblico sorride, applaude, fischia entusiasticamente, eppure loro, pur divertendosi molto, sono serissimi, suonano, sudano sette camicie, hanno una tecnica prodigiosa. Ci sono momenti in cui suona il trio Mannutza – Tommaso Scannapieco – Tucci, e allora si ascolta il Jazz elegante del piccolo ensemble da Jazz Club: di gusto ma non di maniera, per intenderci, in cui la batteria decide il clima, il pianoforte ne affresca le linee melodiche, il pianoforte trasforma  in note i battiti della batteria, la batteria canta in battiti le note del pianoforte, il contrabbasso di Scannapieco sapientemente riassume ritmo e melodia con un suono pieno e convincente.  Ma non mancano i momenti in duo, come quello incredibile che ha visto interagire Tucci (batterista veramente ai vertici da tutti i punti di vista – come tecnica, musicalità, fantasia) e Daniele Scannapieco (il suono del suo sax è veramente inconfondibile, così come lo sono i suoi fraseggi) : non muscoli, ma l’energia di entrambi tradotta in una valanga di suoni.  Così come una valanga di suoni sempre espressivi ha prodotto la tromba sempre più incredibilmente fluida e musicale di Bosso.  Si scompongono, si ricompongono in tutte le varianti possibili – compresa quella del duo tromba e contrabbasso – citano instancabilmente frasi ma anche pezzi di storia del jazz, dal Gospel, al Jazz più retro degli anni 30, all’Hard Bop, o magari partendo dal Latin per scivolare  verso il blues (“Estudio misterioso”).  Tutto questo non certo in maniera documentaria in stile “Ecco a voi la storia del jazz!”.  Tutto questo suonando in maniera moderna, viva, non didascalica, fresca, nuova – anche nei momenti più connotati e ascrivibili a un’epoca piuttosto che a un’altra.

E allora torniamo alla domanda iniziale: cosa un appassionato (della prima o dell’ultima ora) chiede al Jazz per appassionarsi? Bravura, Cura, Energia, Eleganza, Espressività.  Cinque caratteristiche, che gli High Five Quintet (cinque anche loro) hanno centrato tutte.  A questo aggiungiamo che la location del Pala J si è rivelata  particolarmente adatta, giusta, fortunata per il Jazz, perché non lo ha relegato in uno scantinato (per pochi intellettualissimi eletti), né in un serissimo spazio che impedisce di lasciarsi andare (in stile sala da concerto), né in un locale fatto apposta per il Jazz – con finta atmosfera “casual” in realtà regolamentata da orari e regole rigide, né in una chiassosissima osteria che impedisce di ascoltare la musica.

Gli appassionati non possono che essere soddisfatti.  E di sicuro chi sabato ha ascoltatoil Jazz per la prima volta, è entrato nella cerchia (per fortuna sempre meno ristretta) degli appassionati del vero Jazz: una volta ascoltati gli High Five indietro non si torna di sicuro.

Francesco Bearzatti

Francesco Bearzatti è stato nominato « Migliore musicista europeo del 2011 » dall’Académie du Jazz Français. Francesco Bearzatti, l’artista che da diversi anni collabora conla Fondazione Musica per Roma e con la sua etichetta Parco della Musica Records,era già stato premiato agli ultimi top jazz, i premi assegnati dalla rivista Musica Jazz,  per la migliore formazione del 2010 (Tinissima Quartet) e per il  Miglior disco del 2010 (X suite for Malcolm  pubblicato dalla Parco della Musica Records). Inoltre, nel 2009, è stato votato come miglior sassofonista d’Italia.

Il Premio “Miglior musicista europeo” assegnato dall’Académie du Jazz Français è uno dei più prestigiosi riconoscimenti del jazz mondiale e Francesco Bearzatti è il secondo italiano ad ottenerlo, dopo Franco D’Andrea, vincitore nel 2010.

La consegna del premio avrà luogo l’11 gennaio 2012 a Parigi nella Place du Châtelet

Sassofonista, clarinettista e compositore, Francesco Bearzatti è un artista versatile, sessionman prezioso e leader di alcuni dei gruppi più innovativi degli ultimi anni. Dal rock al jazz alla musica elettronica, Bearzatti unisce ai suoi lavori una cultura versatile e inquieta, confluita nei suoi ultimi progetti più trasversali, dal Bizart Trio alla rilettura dei brani dei Led Zeppelin dei Sax Pistols, fino al Tinissima Quartet con il quale ha inciso i due dischi “Suite fot Tina Modotti” e “X Suite for Malcolm” entrambi pubblicati dalla Parco della Musica Records, l’etichetta discografica della Fondazione Musica per Roma. Ha inoltre suonato nel disco Mantra di Roberto Cecchetto e in Around Ornette di Giovanni Falzone (anch’essi a cura della Parco della Musica Records).