Il Jazz ai tempi del Coronavirus le nostre interviste: Riccardo Arrighini, pianista

Foto Daniele Maglie

Intervista raccolta da Daniela Floris
Foto di Daniele Maglie

Come stai vivendo queste giornate? 

Abbastanza bene, mi sento molto fortunato in questa situazione perché ho famiglia con moglie e due figli che amo molto,  in comoda casa con giardino ampio, e questo mi permette di soffrire meno di chi è solo o vive in appartamento.


Come ha influito sul tuo lavoro? 

In realtà sono annoverato tra i musicisti che di solito passano diverse ore al giorno al pianoforte per praticare, studiare, scrivere, arrangiare, insegnare (su Skype), quindi la vita in generale non è cambiata più di tanto.

 

Pensi che nel prossimo futuro sarà lo stesso? 

Sono molto preoccupato dal punto di vista economico, non so. Credo però che, nella più ottimistica previsione, per noi musicisti il 2020 sia un anno che “salta”…

 

Come riesci a cavartela senza poter suonare? 

In effetti, tra tutte le cose elencabili, quella che sicuramente mi manca di più è il contatto col pubblico durante i miei live. E, ripeto, anche per quanto concerne l’aspetto economico è durissima: ci è venuto a mancare in un attimo sia la possibilità di ottenere performances che lezioni live o seminari/workshop. Non a tutti piace Skype: molti allievi rinunciano o sospendono.
Per quanto mi riguarda sto cercando di esibirmi sul web da casa con “concertini” veri e propri e per quanto riguarda le lezioni uso Skype, insomma, con l’ausilio del web, come fanno adesso moltissimi colleghi, .


Quanto risulta importante vivere insieme alla tua famiglia? 

Molto imporante: per carattere, sono un “comunicativo”, e anche piuttosto gioioso, non riesco a stare da solo per lunghi periodi, dopo un pò mi mancano le persone.

 

Pensi che questo momento di forzato isolamento ci indurrà a considerare i rapporti umani e professionali sotto una luce diversa?

A questa domanda non so davvero cosa rispondere…da una parte mi sento di dire di SI’, perché sicuramente usciremo molto “scottati” da questo isolamento e niente sarà più come prima, in primo luogo nei rapporti umani e professionali. Sicuramente, almeno in una fase iniziale, ci sarà molta più solidarietà tra le persone… dall’altra spero che , dando per scontato che tutto questo presto finirà, dopo una prima fase di “attenzioni” l’essere umano non si faccia coinvolgere di nuovo dalla pigrizia, dall’essere “viziato”, dal tornare a dare per scontate cose come affetti e legami professionali, o anche solo il potersi riabbracciare o stringere una mano.

Credi che la musica possa dare la forza per superare questo terribile momento?

Assolutamente sì Suonare per me è vera e propria linfa quotidiana (passo almeno 3-4 ore sul piano ogni giorno), come una pianta che annaffio e curo giornalmente. Credo però che tutto questo periodo così allucinante abbia fatto capire a tutto il mondo quanto possa essere noiosa la vita senza l’Arte. Non credo esista persona che, dopo 40 giorni di isolamento, non abbia “frenato” e si sia messo di più in ascolto di se stessa e abbia letto di più, ascoltato più musica o qualsiasi altra cosa inerente ad Arte e Cultura.

 

Se non alla musica, a cosa ci si può affidare? 

Credo che ci siano molti modi oltre la musica per cercare di superare questi momenti difficili per tutti. Io ad esempio pratico meditazione ogni giorno, con effetti impensabili sulla mia “centratura” e concentrazione, ma anche lo yoga o fare attività fisica (chi ha spazi) o, come dicevo prima, leggendo e studiando qualcosa di nuovo. Cercare e “cercarsi”.

 

Quale tuo progetto è rimasto incastrato in questa emergenza e vuoi segnalare? 

Da 2 anni circa sono seguito come musicista dall’agenzia Stilnovo capitanata da Vincenzo La Gioia, mio manager, agente e caro amico, con cui in questa prima fase di lavoro avevamo seminato tantissimo sia a livello strategico che a livello artistico e, di conseguenza, di ingaggi. I diversi progetti che abbiamo messo su, non senza grandi riflessioni e dovizie di particolari, stavano funzionando a meraviglia con concerti in tutta Italia. Segnalo il mio “B.A.T JAZZ TRIO” , con Luca Bulgarelli al contrabbasso e Lorenzo Tucci alla batteria: dovevamo registrare in questo aprile. Il progetto punta sul tema parodistico della Gotham di Batman del “salvataggio della specie”: io sono Batman, Robin è Lorenzo Tucci,  e con Alfred, che è Vincenzo La Gioia, cerchiamo di riportare l’ordine in città soprattutto dalla minaccia di Luca Bulgarelli, il Joker, che è pericolosissimo!)
La scaletta è davvero varia, da brani miei originali a brani pop, rock e di grandi autori come Mozart, Pink Floyd, Petrucciani, Metheny, Mc Coy Tyner e standards.
Ma c’è anche il mio duo con Javier Girotto in un progetto molto melodico e basato su nostre musiche originali, il duo con il trombettista Andrea Tofanelli (come me di Torre del Lago Puccini, dove entrambi abbiamo residenza) sulle arie di Giacomo Puccini rivisitate in chiave jazz: in particolare questa è una operazione che svolgo in piano solo dal 2005 con molti concerti sia in Italia che all’estero) e di cui abbiamo un CD in prossima uscita mondiale dal titolo “OperiAmo”.
Inoltre ci tengo a segnalare i miei altri duo: con la bravissima cantante Sara Della Porta col progetto sul Songbook americano, con Gabriella Zanchi, soprano e attrice, su un suo progetto ancora legato all’Opera in jazz, e infine con Maurizio Rolli, eccellente bassista pescarese, con cui stavamo per l’appunto per varare un progetto davvero interessante per noi 50enni: rivisitare le sigle dei grandi telefilm che hanno caratterizzato la nostra infanzia, da Belfagor, a Star Trek, a Spazio 1999 ad Arsenio Lupin, e così via.
Direi che sono tutti rimasti incastrati proprio nel momento in cui eravamo, io Vincenzo e tutti i musicisti nominati, davvero entusiasti e lanciatissimi!
Ma sono sicuro che non appena tutto si riaprirà, sapremo ritrovare subito quel “mood” e riniziare a fare l’attività che amiamo.

 

Mi racconti una tua giornata tipo? 

Generalmente la mia vita, in condizioni di normalità, è divisa tra quando sono in giro a suonare e quando sono a casa, due dimensioni completamente diverse.
Se sono a casa ho molte ore impegnate nell’organizzazione domestica, quindi tempo per moglie e figli, spesa, pulizie: ma cerco di trovare sempre tre o quattro ore ogni giorno per praticare, arrangiare, comporre, scrivere parti per i musicisti.
Inoltre insegno dal vivo e online da casa.
Quando sono in giro per concerti invece mi lascio completamente avvolgere dall’atmosfera della trasferta/concerto, che dopo 30 anni per me riveste ancora il carattere dell’ ignoto ogni volta, perché devo concentrarmi totalmente su tutti gli aspetti pratico-logistici (in cui sono una frana) che mi a-spettano, oltre ovviamente a preparare fisicamente e mentalmente un concerto.
In questa quarantena forzata la mia giornata tipo parte a metà mattinata (approfitto della non-scuola per dormire un po di più) in cui faccio lavori domestici, aiuto i figli nei compiti, cucino,faccio meditazione, mi godo la casa. Il pomeriggio talvolta ho lezioni online ma perlopiù studio e mantengo le dita (e la testa) in allenamento. Dopo cena leggo o guardo film/serie tv con moglie e figli poi, dalle 23 in poi, vado nel mio studio e lì inizia la vera fase del “mio” rilassamento, in cui mi dedico all’ascolto della musica, non solo jazz, e questa fase può durare anche diverse ore.  Vado a letto tardi, lo so… ma mi è necessario per nutrire la mia insaziabile voglia di conoscere mondi e modi di suonare che possano ispirarmi e anche curiosità di essere sempre aggiornato su tutto quello che succede nel mondo tra i musicisti, anche grazie ad internet che, tra i suoi pregi, permette oggi di essere connessi con tutto in un attimo.

 

Se avessi la possibilità di essere ricevuto dal governo cosa chiederesti? 

Di cancellare ed annullare per sempre la famosa frase “con la Cultura non si mangia”, pronunciata anni fa da un altrettanto famoso politico.
Con la Cultura a mio avviso si mangia (specie in Italia, e si mangerebbe molto, se volessimo e loro lo sanno) e soprattutto si “respira”. Basta vedere oggi, nel pieno dell’emergenza Coronavirus e in cui le persone hanno più tempo libero, quanto “fame” si ha in più di leggere, migliorare la propria cultura personale o crescita individuale o voglia di leggere, ascoltare musica, guardare documentari, cucinare. Noi italiani abbiamo date per scontate troppe cose in cui siamo tra i primi al mondo, ed è venuto il momento di riappropriarsene.

 

Hai qualche particolare suggerimento di ascolto per chi ci legge in questo momento? 

Non credo di essere la persona adatta per consigliare ascolti specifici perché il mio problema è che mi piace tutta la bella musica, o perlomeno quella che io ritengo tale. Ma il mio gusto è talmente a 360° che faccio fatica a suggerirne uno in particolare. Anche dal punto di vista jazzistico ho un’idea molto ampia su questo genere, mi sento molto “aperto” sia al mainstream che alle sperimentazioni o fusioni. Anzi, non ho mai in realtà considerato il jazz come un “genere” ma altresì un “linguaggio” che si impara e si può applicare a qualsiasi ambito.
Come ho accennato più su da molti anni ad esempio porto in giro una mia particolare rivisitazione di brani d’Opera in chiave jazz, basata soprattutto su compositori italiani quali Puccini (il mio conterraneo d.o.c.) Verdi, Rossini, Mascagni, Leoncavallo, ed altri.

 

Lee Konitz: dopo Charlie Parker il più grande altosassofonista. Il musicista è venuto a mancare a 93 anni a causa del Coronavirus

Stanno cadendo come i birilli: uno dopo l’altro i grandi vecchi del jazz ci lasciano per andare a riposare in un altrove sicuramente meglio del mondo in cui stiamo vivendo queste terribili giornate.

Ultimo, in ordine di tempo, Lee Konitz; nato a Chicago il 13 ottobre 1927, il sassofonista è venuto meno mercoledì 15 aprile al Lenox Hill Hospital New York stroncato dal Coronavirus, che ha trovato poca resistenza in un organismo di 93 anni, anche se, ad onta dell’età, Lee era ancora molto attivo suonando spesso e volentieri.

Lee Konitz

Io non credo che ci sia un solo appassionato di jazz che non abbia ascoltato almeno qualche brano di Konitz o su disco o live; certo l’uomo non era dei più facili, ma l’artista aveva raggiunto vette inimmaginabili essendo a ben ragione considerato il più grande alto-sassofonista del jazz dopo Charlie Parker. Il quale, come ricorda l’amico Claudio Sessa, lo gratificò con la famosa frase “Sei l’unico che non mi imita”.

E non v’è dubbio alcuno che Konitz nell’arco di una lunghissima carriera seppe elaborare un suo stile assolutamente personale, frutto di studi molto approfonditi e di una carica inventiva illimitata. Certo i suoi punti di riferimento più evidenti si ritrovano nel cool jazz, ma ciò non toglie che nella sua musica siano ben percepibili input provenienti tanto dal bebop quanto dal jazz d’avanguardia, influenzando altri sassofonisti come Paul Desmond e Art Pepper. Di qui il fatto che ritroviamo Konitz in moltissime registrazioni sia a nome altrui con artisti di impronte assai diversificate, sia sotto suo nome.

Non è il caso di ripercorrere in questa sede le tantissime tappe della sua carriera, soffermandoci, piuttosto, su quelle che riteniamo gli eventi più significativi. Eccolo, quindi, ancora giovanissimo, abbandonare l’originario clarinetto per dedicarsi esclusivamente al sax contralto; eccolo quindi studiare a fianco del pianista di origini italiane Lennie Tristano che lo avvicina in maniera sostanziale sia alla musica colta sia all’intera storia del jazz, con in primo piano sempre l’urgenza di una esecuzione quanto mai rigorosa.

Successivamente nel 1948 Miles Davis lo chiama a far parte di un gruppo che avrebbe cambiato le sorti del jazz, uno straordinario nonetto di cui fanno parte oltre all’arrangiatore canadese Gil Evans, anche Gerry Mulligan, John Lewis, Max Roach…

Negli anni a venire il sassofonista collabora con alcuni dei più grandi artisti del jazz quali, tanto per fare qualche nome, Michel Petrucciani (in “Toot Sweet”), Charles Mingus, Bill Evans, Ornette Coleman, Dave Brubeck, Bill Frisell, Bud Powell, e Stan Kenton.

In tale quadro non vanno dimenticate le collaborazioni con artisti europei e anche italiani; ricordiamo, al riguardo, il duetto con Glauco Venier immortalato nell’album “Ides of march” (artesuono – 2000), “Velvet Soul” (Splasc (H) 1986) con il gruppo di Guido Manusardi; l’album dedicato a Billie Evans di Davide Santorsola (Philology – 1997); la partecipazione ad alcune registrazioni della Jazz Class Orchestra; accanto a Enrico Pieranunzi, Enrico Rava e Roberto Gatto rispettivamente in “Ma l’amore no” (Soul Note – 1997), “Note necessarie” del 1960 e “Sul lungotevere” del 1993.

Konitz è tra i pochi a incidere per solo sax: ecco quindi l’ottimo “Lone-Lee” registrato per l’etichetta danese Steeple Chase il 15 agosto 1974 che consta di due soli brani “The Song Is You” (Jerome Kern, Oscar Hammerstein II) lungo oltre 38 minuti e “Cherokee” (Ray Noble) vicino ai 18 minuti. Straordinaria anche l’intuizione di valorizzare una formula assai rischiosa come quella del duo: ecco quindi “Suite for Paolo” con Stefano Bollani (Philology – 2012), “Live-Lee” con il pianista Alan Broadbent (Fantasy – 2003); nel 2001, insieme a Franco D’Andrea incide l’album “Inside Rodgers”, mentre del 2007 è “The Soprano Sax Albums: Standards” (Philology) con il pianista Riccardo Arrighini.

Insomma un artista assolutamente straordinario che, sicuramente, in questo periodo di forzato riposo (chiamiamolo così), vi invito a riascoltare e riscoprire così uno degli aspetti più coinvolgenti e affascinanti della nostra musica.

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Per sottolineare quanto sia stato terribile per il mondo del jazz questi primi mesi del 2020 ricordo che, oltre agli artisti di cui ci siamo già occupati, sono venuti meno il 1 aprile il chitarrista Buck Pizzarelli a 94 anni e Ellis Marsalis a 85 anni, il trombettista Wallace Roney a 59 anni il 31 marzo, il bluesman Bill Withers il 30 marzo a 81 anni, il batterista Franco Del Prete 76 anni il 13 febbraio.

Gerlando Gatto

Lirica e jazz: le arie d’opera come standard

L’ultimo nato dal matrimonio fra lirica e jazz è l’album “Norma”, di Paolo Fresu con la ODJM (Orchestra Jazz del Mediterraneo) di Paolo Silvestri (Tûk Music) che va ad infiocchettarsi al virtuale “Real Book” di arie dal repertorio operistico italiano ed europeo che via via si è fatto ben corposo.
Il lavoro su Bellini ha, discograficamente parlando, illustri avi nel jazz. Ne citiamo qualcuno. Il 78 giri Bluebird con Glenn Miller and Orchestra che rielabora “Il coro degli Zingari” del Trovatore di Verdi nella spumeggiante “Anvil Chorus”; Fats Waller and his Sextet from Lucia of Lammermoor, di Donizetti su l.p.

Il disco di Barney Kessel, Modern Jazz Performances From Bizet’s Opera Carmen (Contemporary Records, 1959) oggetto di varie ristampe. È stato, in effetti, il chitarrista a segnare il passaggio dalle atmosfere fox trot, stride e da swing-era al più moderno cool negli anni ’50, con azzeccati innesti dalla Carmen (1875) a partire da “La canzone del Toreador – Swingin’ The Toreador”  e principalmente riproponendo a modo suo “Free As A Bird”, la famosa habanera, forma musicale che è un esempio di musica “oggettiva” tratta da fonti preesistenti (…) dalla canzone di Sebastian Yradier El Arreglito, a sua volta una “normalizzazione” europeizzante e salottiera della danza cubana” (cfr. Antonio Rostagno, Ed. Teatro alla Scala, 2015).

Dal canto suo Jacqueline Rosemain ne ha sottolineato la derivazione da una canzone conviviale provenzale, confluita in una raccolta del lontano 1627. Stefano Zenni, nel definire in genere la habanera “danza cubana di andamento moderato, in tempo binario, divisa in due parti, una in tonalità minore e una in maggiore” derivata dalla contradanza, antenata del tango, ne ha puntualizzato la “duplice origine, una spagnola ed una africana, con una radice provenzale” con quel senso di ritardo ritmico tipico della musica nera delle Americhe “dall’oscillazione dello swing alla elasticità della bossa nova” (cfr. Breve storia della habanera, in La musica colta afroamericana, Sisma, 1995). Un’ibridazione di melodie e ritmi che avrà affascinato Kessel per pensare di “jazzare” parti dell’opera, dicono, più rappresentata al mondo, oltretutto così impregnata di “latin tinge”!

Niente di nuovo sotto il sole, certo! Louis Armstrong ascoltava i dischi di Enrico Caruso e la polifonia di New Orleans poteva richiamare in qualche modo situazioni da melodramma tipo il quartetto vocale di “Bella figlia dell’amore”, dal Rigoletto (cfr. Gunther Schuller, Early Jazz). Nello specifico la Carmen si è prestata a progetti più articolati come l’album omonimo firmato da Enrico Rava che fa il paio con “E l’opera va” (Label Bleu, 1993) contenente arie quali “E lucean le stelle” dalla Tosca, estratti dalla Manon Lescaut e da La fanciulla del West di quel Puccini che Chailly ha accostato a Gershwin (si veda in proposito su questa rivista il nostro saggio “L’America di Puccini ne La fanciulla del West” del 16 nov. 2017). Non trapianti di genere bensì proustiana condensa di memoria e memorie, suoni e visioni che riappaiono dal nostro passato.
Restiamo all’opera italiana. Intanto come non ricordare che Pietro Metastasio, il famoso librettista, era un poeta “istantaneo”? Intuiva, strutturava, declamava rime “all’improvviso”, una poesia orale composta, secondo John Miles Foley “come un musicista jazz o folk usa dei modelli nell’improvvisazione musicale”. Ma il jazz, nel settecento, navigava ancora nella placenta delle musiche del mondo.
E così ancora a inizio ottocento.

Eppure c’è chi, come l’inglese Mike Westbrook si è rifatto a Gioacchino Rossini in un pregevole album del 1987, appunto “Westbrook-Rossini”, della svizzera Hat Hut, riproposto anche recentemente con la Uncommon Orchestra, anche con arrangiamenti da La Cenerentola ad integrare abstract musicali da La gazza ladra, “Barbiere”, Otello e l’Ouverture del Guglielmo Tell. Musica varia, giocosa, cromaticamente accesa, quella rossiniana, che si ben adatta ai “remakes” più moderni ed innovativi.
Su Donizetti si è posata l’attenzione di Bruno Tommaso, Roberto Gatto, Cristina Zavalloni, Furio Di Castri, Madeleine Renèe ed è da segnalare il disco-rarità “A casa di Ida Rubinstein” della compianta Giuni Russo in cui la cantante interpreta fra l’altro “La zingara” donizettiana con interventi di Paolo Fresu ed il lieder “A mezzanotte”, con la partecipazione di Uri Caine, pianista a cui si deve The Othello Syndrome (Winter & Winter, 2008). Una passione antica questa per il cigno di Busseto; ricordava Gerlando Gatto su questa rivista che in un titolo di King Oliver del 1923 compare un’ampia sequenza de “La Vergine degli Angeli” da La forza del destino! Viva Verdi! Potrebbe essere uno slogan dei jazzisti inneggiante a siffatta star dalla marcia trionfale anche sul web con milioni di visualizzazioni; le cui opere sono state rivisitate dalla Ted Heath Orchestra nel 1973 così come dalla Banda di Ruvo di Puglia nel 1996, per non parlare ancora dai conterranei Marco Gotti, Trovesi, Di Castri, Bonati, Rea, Massimo Faraò, Attilio Zanchi, Renzo Ruggieri…

Ma perché mai questo interesse dei jazzisti su Verdi?  “Nella musica di Verdi sussiste una sorta di pre-blues poiché vi si descrive l’atmosfera di prima che arrivasse il jazz, anche attraverso personaggi di strada, un popolo di umili, il gobbo, la mondana, la zingara…” ha affermato sempre su queste colonne il chitarrista romano Nicola Puglielli del Play Verdi Quartet. L’operista fu egli stesso trovatore, griot melodrammatico al cui ” mood ” si rifà la cantante e compositrice Cinzia Tedesco, riprendendo parti salienti da Rigoletto, La Traviata, Aida, Nabucco, vista anche “all’opera” con l’Orchestra Sinfonica Abruzzese diretta da Jacopo Sipari, arrangiamenti del pianista Stefano Sabatini. E con lei altri artisti quali il pianista Andrea Gargiulo, il quintetto Tomelleri-Migliardi-Corini-Garlaschelli-Bradascio, l’Orchestra di Piazza Vittorio con in repertorio anche arie dalle opere di Bizet, Weill, Mozart (Il flauto magico e Don Giovanni) quest’ultimo oggetto della egregia rivisitazione del trio di Arrigo Cappelletti.
Andiamo ai veristi. Su Mascagni, sull’Intermezzo di Cavalleria rusticana, è caduta la mano pianistica di Danilo Rea mentre della “sorella siamese” Pagliacci, di Ruggiero Leoncavallo, Max De Aloe ha rielaborato in 4et “Vesti la giubba” nella compilation Lirico Incanto (Abeat, 2008).

Singolare, a proposito di Leoncavallo, una Mattinata tutta anni ’20 della Tiger Dixie Band nel disco dedicato a Bix. Ma sfociamo nel campo delle canzoni d’arte. Torniamo all’opera. Francesco Cilea, altro rappresentante della Giovane Scuola Italiana a inizio secolo scorso, è omaggiato dal pianista Nicola Sergio nel cd Cilea Mon Amour della Nau. Di Puccini in parte s’è detto. Da aggiungere che il compositore trova estimatori di grande spessore nel mondo del jazz internazionale. Basti pensare a “Nessun Dorma” dalla Turandot ripresa da artisti del calibro di Lester Bowie e Don Byron. Finanche il bandleader Gerald Wilson figura fra i filopucciniani!

Fra gli italiani non si può non citare Marcello Tonolo e Michele Polga unitamente al pianista Riccardo Arrighini con il suo album Puccini Jazz- Recondite Armonie del 2008 (nell’ulteriore cd Visioni in Opera si occupa anche di Verdi e Wagner) ed inoltre il duo formato dalla cantante lirica Madelyn Renèe con il sassofonista Jacopo Jacopetti con il disco Some Like It Lyrics (EgeaMusic, 2016), in scaletta anche Bizet, Donizetti, Mozart.
Si potrebbe continuare a iosa fino all’oggi, alla cronaca-spettacoli, ad esempio a Knock Out – melodramma jazz d’amore e pugilato, regia di Silvio Castiglioni, con Fabrizio Bosso e Luciano Biondini – prodotto lo scorso anno, a riprova del fatto che l’opera lirica non è moribonda, anzi l’incontro con il jazz può essere un modo per riattualizzarla, in una sinergia così stretta che non sarà più lecito parlare di contaminazioni.
Chissà, prima o poi un editore si ritroverà forse a stampare un manuale di jazz standard con partiture tratte da opere italiane ed europee! Gli americani – come nel caso di “Summertime” da Porgy and Bess di Gershwin ovvero, passando dal teatro al film musicale, I Got Rhythm di Gene Kelly da Un americano a Parigi – ci hanno pensato da tempo. Un bel dì vedremo.

P.s. Questo articolo è dedicato alla soprano afroamericana Jessye Norman scomparsa il 30 settembre 2019 . In memoriam.

Amedeo Furfaro

L’America di Puccini ne “La Fanciulla del West”

Ora che si vanno gradualmente spegnendo i riflettori dei media sulla felice missione settembrina a New York di Teatro del Giglio di Lucca e Lirico di Cagliari, per un allestimento di La fanciulla del West, a firma Meena-Stefanutti, coprodotto unitamente a N.Y.C.O e Opera Carolina, messo in scena al Rose Theatre del Jazz At Lincoln Center, viene ancora una volta da riflettere sulla particolare sensibilitá artistica che portò Giacomo Puccini a concepire quest’opera ed a rappresentarla al Metropolitan nel 1910, anticipando di fatto di un anno la “prima” di Treemonisha, di Scott Joplin.

Il L.I.S.A. e-journal la definiva, nel 2006, la prima opera “americana”. E si legge su “La Scala Magazine”, sul numero 5 del 2016, che “Luciano Berio avrebbe voluto far rappresentare Fanciulla in forma di musical riorchestrato per una jazzband modello Broadway: la riscrittura, nelle sue mani, sarebbe senz’altro una prosecuzione della modernità di Puccini – una specie di balzo in avanti nel tempo”. Così si è espresso quel Riccardo Chailly che, altrove, accosta Puccini a Gershwin, il più grande creatore dell’armonia “in tutto il novecento”. Rimandi a Puccini peraltro si rinvengono in Un Americano a Parigi. Ma allora questa storia di pistoleri e pionieri, pellerossa e cercatori d’oro del Golden West si sarebbe potuta mutare in … La Fanciulla del Jazz? Non propriamente. Intanto dentro c’è “Wagner En Travesti” per riprendere un titolo di Michele Girardi. Ma è anche vero che nel melodramma si intravede quell’american heritage musicale – melodie dei nativi, canti popolari, ritmi sincopati- di cui Puccini si era interessato. Uno dei circa trenta temi che vi ricorrono, per esempio, è una Zuni Melody indiana. Non mancano cakewalk ed arie folk per creare l’atmosfera giusta: “il colore della musica americana gioca un ruolo particolare; essa s’afferma, da una parte nella monotonia del canto indiano, dall’altra nelle forme piene di vita, á la façon de jazz, o ancora meglio come dei ragtimes e i fiori di retorica della musica dei cercatori d’oro” (Hans-Hürgen Winterhoff, La fille du FarWest. Chefd’oeuvre méconnu?).

Ovviamente quella melodico-lirica rappresenta la componente italica predominante che trova sponda libera nella corposa minoranza dei nostri emigrati e fa breccia anche presso i numerosi appassionati di teatro musicale operistico di lingua inglese.

Al riguardo Deborah Burton, nel saggio The Rhythms of Puccini’s Fanciulla del West, puntualizza che le culture rappresentate nell’opera sono “Native Americane, Latino and White European”.

Tutto ha inizio nel 1907 quando Puccini si reca negli U.S.A. per assistere a una stagione lirica al Metropolitan con solo sue opere in cartellone.

Un viatico che gli fa assaporare l’humus sonoro di quel continente.

Da lí la scelta, non senza incertezze, del libretto The Girl Of The Golden West di David Belasco, con il riadattamento di Zangarini e Civinini, opzione che si sarebbe rivelata idonea a rappresentare un mondo che andava affascinando altri musicisti europei. Guido Marotti notava in “Giacomo Puccini intimo” nel ’25, che il Nostro era stato “il primo musicista europeo a fruire dell’elemento folkoristico nord-americano dopo Antonio Dvôrjàk, il quale ci ha mostrato l’America in quella sua geniale “lettera musicale agli amici: la Sinfonia dal Nuovo Mondo“. E forse certe suggestioni gli erano pervenute e le avvertiva in qualche modo familiari perché insite in varia musica di autori che guardavano al nuovo. Debussy, anzitutto.

Era una fase delicata della propria vita e della propria attività compositiva quella che, in quegli anni, stava attraversando. Il Maestro era preso da “tanta smania di andare avanti” e da una sorta di febbre dell’oro-ispirativa. Un Puccini “moderno”, un “secondo Puccini”, lo si sarebbe visto proprio con Fanciulla “in bilico fra passato e presente, fra l’immediatezza dell’istinto e la curiosità e il rovello della ricerca, quel voler esser fedele ai punti di partenza di una lunga tradizione (…) e la volontà di non restare indietro” come ha argomentato Leonardo Pinzauti.

Il musicista, al momento della svolta stilistica, aveva giá guardato all’esotico – la Pechino di Turandot o il Giappone di Madame Butterfly – nel lasciarsi alle spalle l’esperienza verista.

Era il passaggio dal glocale al globale, su un parallelo est-ovest.

La Girl segnava uno step decisivo nel suo percorso artistico con l’approdo pieno all’opera internazionale, del resto anche il suo modo di essere era da “elegante cosmopolita” come si evidenzia nella biografia di Mary Jane Phillips-Matz.

Nello specifico l’Ovest, il mito di un (not old) Wild West, a suo modo poteva ancora dirsi “esotico”. Ma non sarebbe bastato lo scenario della selva californiana, miniere e saloon a render significativo questo lavoro se Puccini non avesse messo in mostra la strumentazione che sarà elogiata da Webern, la raffinatezza formale di una partitura che Ravel consiglierà agli allievi, la presenza brillante di un’orchestra di cui Gavazzeni specificherà il protagonismo, la pulsazione che Enzo Siciliano, nella sua monografia edita da Rizzoli, apprezzerà: “Puccini arriva in Fanciulla a dare il ritmo di un treno in corsa all’orchestra”.

Sul piano vocale e attoriale appaiono poi intense le tonalitá drammatiche e coerenti i profili psicologici, a partire dalla bronzea Minnie, ricompresa nel classico triangolo fra due uomini che se la contendono, e che non soccombe fisicamente, a differenza di altre eroine pucciniane.

Oggi ci sono musicisti come Enrico Rava e Max De Aloe, Danilo Rea e Riccardo Arrighini, Marcello Tonolo e Michele Polga, Madelyn Renèe e James Barry che hanno ripreso e riarrangiato arie dell’ultimo grande Genio del melodramma.

Ma, al di là delle ricontestualizzazioni più o meno jazzistiche, la cotée “americana” di questo artista europeo affonda radici ben più lontane nel tempo.

Che risalgono a quando, a inizio del secolo scorso, delineò una personale idea di concertazione di una Nuova Frontiera Sinfonica a far da sfondo armonico all’America reale ed a quella cinematografica e dell’immaginario collettivo degli anni a seguire.

Summertime in Jazz: dal 2 luglio al 2 agosto si illumina l’estate piacentina

Si conferma anche quest’anno l’appendice estiva del Piacenza Jazz Fest che ravviva l’estate piacentina con tanta ottima musica, grazie a un cast composto da nomi di richiamo del panorama jazzistico italiano e internazionale. Protagonisti saranno ancora una volta i paesi delle due vallate insieme alla città capoluogo, valorizzati grazie ad un circuito di concerti che farà tappa di volta in volta nei luoghi più rappresentativi della storia, delle tradizioni e del paesaggio locali, con un’offerta molto varia, perfetta per vivere in serena armonia le sere d’estate.

La rassegna è organizzata dall’associazione culturale Piacenza Jazz Club che si avvale del determinante sostegno della Fondazione di Piacenza e Vigevano, e può contare inoltre sul patrocinio e la collaborazione di ben nove enti comunali piacentini: in primis Piacenza, poi Castell’Arquato, Cortemaggiore, Lugagnano, Morfasso e Vernasca per la Val d’Arda; Bobbio, Rivergaro e Travo per la Val Trebbia. La rassegna si fregia inoltre del patrocinio e sostegno della Regione Emilia-Romagna e del patrocinio della Provincia di Piacenza.

Si sottolinea che l’ingresso ai concerti è completamente gratuito.

Paesaggi sonori e visivi sempre diversi sono le caratteristiche principali di questa rassegna itinerante che ha individuato i luoghi più belli della provincia di Piacenza e li ha resi palcoscenico di altrettanti concerti. Dodici quelli principali, ai quali si aggiungeranno quelli nelle cantine, accompagnati da degustazioni dei prodotti del territorio piacentino con la rassegna collaterale Jazz Summerwine, che già nelle precedenti edizioni ha riscosso notevole consenso e ampia affluenza.

Altra peculiarità di Summertime in Jazz è l’attenta cura con la quale si cerca il perfetto connubio tra l’ambientazione del concerto e gli artisti che ne saranno protagonisti. A guidare questi abbinamenti, in primo luogo vi è la radicata consapevolezza che non tutta la musica può essere suonata ovunque, ma anche la profonda convinzione che la sintonia che si crea nel corso dell’esibizione tra il luogo e la performance musicale diventa qualcosa di unico ed è un privilegio potervi assistere.

Ecco che allora la passione del tango si sposa perfettamente con la Piazza Monumentale di Castell’Arquato, così come il ritmo incalzante del Blues e dello Swing accenderà la piazza IV Novembre di Lugagnano e ancora il tocco della fisarmonica che riecheggerà sul sagrato dell’Antica Pieve di Vernasca, fin giù lungo la scalinata che porta in paese. Ogni concerto sarà incastonato nella sua cornice ideale che lo impreziosirà valorizzandolo e trasformando ogni serata in un raro gioiello per qualità e bellezza.

Il programma di questa quarta edizione parte la sera di domenica 2 luglio da Bobbio. Nell’incantevole Piazza Duomo, situata proprio nel cuore del centro storico della cittadina, con alle spalle la cattedrale di Santa Maria Assunta, si esibirà un gruppo di ragazzi giovanissimi, formatosi attorno ad una delle più importanti scuole italiane di musica, la Civica intitolata alla memoria di Claudio Abbado, a Milano. Il gruppo composto da ben diciotto elementi, di grande affiatamento, suona con un groove che trova la sua principale ispirazione in gruppi jazz con un imponente organico, come gli Snarky Puppy. Il loro nome richiama un gioco di parole nonsense divertente e irriverente: Deaf Kaki Chumpy.

Mercoledì 5 luglio nel cortile di Palazzo Rota Pisaroni, sede della Fondazione di Piacenza e Vigevano, per il primo dei due appuntamenti della rassegna che si terranno in città, a presentarsi al pubblico sarà il trio di “all stars” che vede schierati Dado Moroni al pianoforte, Eddie Gomez al contrabbasso e Joe La Barbera alla batteria. Il trio omaggerà il grande pianista americano Bill Evans con il tributo “Kind of Bill”. Sia Gomez che La Barbera hanno suonato a lungo con Bill Evans che, nonostante sia mancato già da molti anni ormai, non smette di essere un punto di riferimento per tutti i pianisti del mondo. Tra gli altri, da Bill Evans ha tratto enorme ispirazione anche Dado Moroni, che ha voluto creare questo progetto che alterna brani di Evans stesso, standard e composizioni originali successive, suonate però con il suono e l’originalità che il grande Bill ha saputo creare e ha poi infuso alla musica venuta dopo di lui.

La serata di Lugagnano di venerdì 7 luglio sarà animata dalla verve incontenibile e dalla voce graffiante del crooner pavese Sergio Tamboo Tamburelli. Insieme alla sua band, Blues & Jazz Society, composta da altri cinque elementi oltre a lui, Mr. Tamboo coinvolgerà tutto il pubblico presente con un repertorio che combina i due generi con grande sapienza di arrangiamenti e che spazia dallo Swing al Dixieland, alla Jazz Song italiana di Buscaglione e Natalino Otto, dai classici standard di Louis Armstrong al Blues di Kansas City, per uno show scoppiettante, ricco di trovate divertenti e di ironia.

Ai piedi della Rocca di Castell’Arquato domenica 9 luglio si avrà l’occasione di apprezzare un concerto di altissima qualità artistica, tutto giocato sul Tango, il genere che meglio di ogni altro riesce ad esprimere il sentimento della nostalgia, della passione e del ricordo. A condurre il pubblico in questo viaggio, il violoncellista Jorge Andrés Bosso con il suo Ensemble BossoConcept che, oltre a essere l’ideatore dell’ensemble che infatti porta il suo nome, è anche compositore di alcuni dei brani che verranno eseguiti nel corso della serata, oltre a quelli di alcuni tra i più noti autori al mondo. Il titolo del progetto è Tangos at an Exhibition!

Alla seconda tappa in città di Summertime in Jazz martedì 11 luglio faranno da sfondo i chiostri della Galleria d’Arte Moderna “Ricci Oddi”, che ospiterà un particolare progetto il cui leader è il pianista Riccardo Arrighini, dal titolo “Trio in Opera”. Da anni Arrighini si sta muovendo sul piano della ricerca di una fusione di mondi musicali tra loro apparentemente distanti, quali il Jazz e l’Opera Lirica. La sua ricerca, partita qualche anno fa con Puccini, ma poi estesa a un repertorio sempre più vasto, che comprende i più grandi maestri, italiani e non solo, lo ha portato a far dialogare costantemente l’anima più passionale della Lirica con quella più innovativa del Jazz, sia dal punto di vista dell’armonizzazione sia rispetto all’improvvisazione.

Si cambia location e si cambia di nuovo anima musicale. Per il concerto di Travo in piazza Trento del 12 luglio, l’ispirazione arriva direttamente dal Sud America, in particolare da quei Paesi con una forte tradizione musicale, come il Brasile, Cuba, l’Argentina, il Perù e Puerto Rico. I brani in programma sono tutti permeati delle energiche sonorità afrocubane con contaminazioni jazz, gli estrosi arrangiamenti di questi brani immortali, rendono omaggio alle più grandi personalità del Latin Jazz internazionale; certo non mancheranno anche composizioni originali del trio che ha all’attivo diversi album. In occasione del concerto della rassegna, il suono degli Iguazù Acoustic Trio avrà delle venature più morbide e sensuali grazie alla presenza sul palco della cantante Paola Folli, vero “pezzo da novanta” nel panorama vocale italiano.

Una ventata di leggerezza consapevole, fatta di sostanza, sicuramente di buona musica, e lontana dalla superficialità, è quella che porteranno con sé lunedì 17 luglio a Rivergaro in piazza S. Agata, Petra Magoni e Ferruccio Spinetti, in arte Musica Nuda. Oltre ai brani più famosi che li hanno resi celebri anche presso il grande pubblico, non solo a livello nazionale ma anche all’estero, il duo voce e contrabbasso con quattordici anni di collaborazione alle spalle, presenterà per l’occasione l’ultimo album uscito all’inizio di quest’anno dal titolo “Leggera”, che raccoglie dodici brani inediti di grandi autori cantati tutti per la prima volta in italiano.

Se è sempre ricercata l’assonanza tra il luogo e la musica che vi si suonerà, ci sono casi dove il connubio diventa particolarmente felice. Pare creato apposta per la platea naturale su all’Antica Pieve di Vernasca il programma del concerto del Renzo Ruggieri Group, che vi si esibirà mercoledì 19 luglio. Il fisarmonicista ha coinvolto un quartetto di straordinari musicisti, tutti virtuosi del proprio strumento, quali Claudio Filippini al pianoforte, Massimo Moriconi al contrabbasso e Massimo Manzi alla batteria, in un progetto dinamico ed elegante che oscilla tra standard e composizioni originali e sa toccare le corde più profonde.

Una notte tra il Tango e il Jazz è quella in programma a Morfasso sabato 22 luglio ideata da Max De Aloe che suonerà con suo storico quartetto. L’armonicista, sicuramente uno tra più autorevoli sulla scena jazz, proporrà un progetto di largo respiro, tipico del suo modo di intendere la musica, grazie a un repertorio che spazia dai classici della tradizione jazzistica afroamericana, con brani famosi di Duke Ellington, Miles Davis, Thelonius Monk, fino a brani della tradizione del Tango di Carlos Gardel e del Tango Nuevo di Astor Piazzolla.

Altro cambio di scenario per la tappa a Cortemaggiore, che vedrà salire sul palco di Piazza Patrioti mercoledì 26 luglio gli Amelia Smooth Jazz. Si tratta di un gruppo con un organico nutrito, composto da sei elementi che alla classica sezione ritmica aggiunge i fiati (flauto, tromba e flicorno) e che prende il nome dalla figura femminile di Amelia, una cantante di grande carisma e dall’intensa timbrica vocale, nonostante la giovanissima età.

Tra le tappe più amate quella completamente immersa nel verde alla Pietra Perduca, un luogo già di per sé molto bello della Val Trebbia, dato che dalla cima della Pietra si può godere di un panorama mozzafiato, intriso inoltre di una forte sacralità, luogo di antichi culti pagani. Sul sagrato della chiesetta medievale di S. Anna nel tardo pomeriggio di domenica 30 luglio suoneranno in acustico i BS Gypsy Trio guidati da Luciano Poli. Due chitarre, una solista e l’altra ritmica e un contrabbasso ad accompagnare gli astanti nelle atmosfere della “Belle Époque” anni Trenta attraverso il gypsy manouche creato e portato al successo dal grande Django Reinhardt.

A chiudere la rassegna 2017, sarà mercoledì 2 agosto il Gypsy Katch Quartet che si esibirà sul sagrato della chiesa di S. Maria delle Grazie nell’elegante borgo di Vigoleno, classificato a ragione come uno tra i più belli d’Italia. Come s’intuisce dal nome del gruppo, siamo di fronte ad quartetto nato dall’estro creativo del polistrumentista Hillary Katch con l’intento di avvicinare il pubblico, nella semplicità e spensieratezza, alla caratteristiche sonorità del Jazz Manouche. Ovvero di quel genere che ha reso possibile l’unione tra l’antica tradizione musicale zingara del ceppo dei Manouches e il Jazz americano.

L’inizio dei concerti è sempre previsto per le ore 21.30, tranne quello sulla Pietra Perduca, che inizierà nel tardo pomeriggio, alle ore 18.30.